绘画的基本知识范例(3篇)
绘画的基本知识范文
随着我国的教育强调素质教育，对于初中美术教学课程也是越来越重视。初中美术绘画教学以激发学生的学习兴趣，提高学习效率为目标。所以在进行美术教学时应该坚持因材施教的原则，使得学生的美术基础知识牢固，并且采取多种教学方式来培养学生对美术绘画的兴趣，最终使学生的绘画能力得到进一步的提高。
1.根据学生的个性因材施教
初中生每个都有自己的独特的特性，教师要经常与学生进行交流沟通，掌握学生的学习情况在之后的教学过程中就可以根据学生的学习情况对学生进行分层次教学，建立起符合学生层次的定位目标，这样就能使得更多的同学都能提高美术绘画能力，牢牢掌握绘画的基础知识。
同时教师还需要了解学生的心理情况，在平时的课堂教学可以根据学生的心理特点营造良好的学习氛围，激发学生对于美术绘画学习的兴趣。由于初中的学生没有很好地耐性，所以教师在进行课堂教学时一定要抓住教学的重点，根据学生的疲惫程度来确定教学的方式，如果当学生处于非常累的阶段时，此时就可以给学生看一些多媒体的课件吸引学生的兴趣，或者可以组织学生进行外景写生。
2.教师发挥好主导的作用
在进行初中美术绘画基础知识教学的过程中，教师要注重让学生进行写生和临摹的练习。让学生进行临摹的练习主要就是让学生学习别人绘画的技巧，进行写生的练习主要就是让学生用绘画来表达自己的审美感受，并且在这些基础的练习中形成自己的特点，养成自己的艺术特色。除此以外，教师在教学的过程中还可以将临摹和写生这两种练习结合起来，加强学生绘画基础的训练。临摹的练习主要就是为了能够让学生学习好的绘画技巧运用到写生的练习中，所以教师在让学生进行临摹的练习时，要根据每一个学生的侧重情况，研究绘画的技巧，将写生课和临摹课紧密结合。让学生有时间消化学习的知识，加强学生绘画基础的训练，为以后学生的发展打下好的基础。
3.教学过程中注重学生直观的感受
在教学的过程中很多教师都会有这样的疑惑，就是教师给学生进行很细致的讲解，但是学生并没有完全理解，并且在实际绘画的过程中也不能熟练运用教师所教授的技巧。主要原因就是绘画本来就是很抽象，教师如果只是简单给学生进行绘画技巧的讲解，学生是不会完全掌握的，可以让学生对自己选定的具象的物体进行拆分，再根据自己的灵感和想法，在符合美术绘画规则的基础上创作出新的作品。这样做的好处是加深学生对造型理念的认识，也能更好的发挥他们的想象力和创造力，让学生在学习美术绘画的同时真正体会到创作所带给他们的乐趣和体验。所以说教师在讲课的过程中要注重给学生做示范，加强学生直观的感受。
比如说在上课的过程中，教师也可以准备一个画板，并且运用多媒体软件将自己的绘画过程投射到投影上面，给学生示范绘画的一些技巧，特别是比较抽象、不能用语言表达的技巧，教师就可以直接通过绘画的过程来给学生示范，这样学生就能够更加深刻的了解，并且有很好的直观感受。所以说在进行绘画教学的过程中，教师要坚持多进行示范性的操作，使得学生能够更好地掌握绘画的技巧。
4.注重学生对于学习方法的掌握
在学习的过程中掌握好的学习方法能够达到事半功倍的效果，使得学生能够更好地掌握学习知识，从而就使得学习的效率得到提高，因此在初中美术教学的过程中，教师要注重对于学生对于学习方法的掌握，这样才能使得学生学习绘画的效率得到大大的提高。对于学习方法的培养主要就是表现在三个方面：
第一个方面：注重学生对事物进行整体性的观察。初中学生刚开始学习绘画的时候，大多数都只是注重对于局部的观察，而忽视对于事物的整体情况进行观察，这是观察的方法是不正确的，因此教师在教学的过程中要引导学生注重对事物的整体进行观察。
第二个方面：结合长期和短期的作业。在对初中生进行美术绘画的教学过程中，教师通常都会布置给学生很多长期的作业，同时也会布置给学生一些短期的作业，这样就能够使得学生用短期的作业来对长期的作业进行辅导，使得学生一步一步慢慢提高自己的绘画技巧。
第三个方面：做好调整和修改的工作。当绘画的作品基本上已经完成的时候，要注重对绘画的作品进行调整和修改。此时学生要对作品进行仔细的研究、分析、对比，同时检查绘画作品的画质效果以及整体的感觉，观察作品的空间位置是否符合要求，画面主次的虚实是否符合主题，一旦发现不好的地方就要及时进行调整和修改。
5.注重作业的批改
5.1多样化的评价方式。教师在对学生的作业进行批改时，可以根据学生的不同情况来确定批改的方式，比如说面批、学生互相批改、自己批改等方式，评价的标准可以与学生共同制定，这样就真正能够做到以学生为根本，让学生的审美能力和绘画能力在不断的批改过程中得到了逐渐的提升，这样就能够达到了批改最原始的目的。
5.2丰富评价的内容。一般传统教师对学生的作业进行批改时，只有简单的对错或者是分数，并没有批语附在作业上面，此时学生就不知道高怎么改进自己的作业。所以说教师在对学生进行作业的批改时可以丰富评价的内容，比如，可以这样来表达："你的作品总体来说构图很好，但是没有很流畅的线条，如果以后能够多观察，大胆画出想要表达的东西，使得线条流畅，这样你的作品就非常优秀了！"
绘画的基本知识范文篇2
关键词：油画基础教学空间体积结构
绘画是具体的实践操作过程，不能把它和抽象意义的观念相混淆，过分夸大观念的意义就会逐渐远离绘画的本体，然而轻视绘画观念对于绘画过程的参与指导又会陷入盲目肤浅的境地。这里我们强调的是写实绘画基础训练中所应培养建立的诸如空间透视、体积、结构等基础绘画观念，它是学生绘画基本素质的具体体现，对一些所谓的特殊观念不做分析。如果对此理解不够就会造成顾此失彼的问题：比如注意结构顾不了形体，顾了形体又忽略了结构；注意了透视变形、体积块面，却失去了形体的整体感受，等等。这些问题的解决就是我们整体运用各种绘画观念的过程，也正是探索油画艺术奥秘的乐趣所在，譬如有一天我们在下笔的时候既体现了造型、色彩，又体现了轻重、方向等笔意变化，我们的画面将会变得多么可人。
一、空间观念
“对于写实绘画，空间是一种虚幻空间，即视觉空间，画家们在二维空间的画面上表现三维空间的世界，即再现出貌似立体真实的视觉幻觉画面。关于绘画的虚幻空间，美国符号美学的创立者苏珊・朗格曾说，这种虚幻空间是各种造型艺术的基本幻象。构图的各种因素，色彩和形状的每一种运用，都用来创造，支配和发展这种单独作为视觉存在的图画空间。”［1］
写实油画的画面是有限的，而它所表现的范畴和反映的纵深感却是无限的。室内摆设的静物和广阔的自然风景都可以在同样大小的画面上得以显现。当我们面对一张空白的画布时，应该将平面的画布看作一个具有无限纵深感和宽阔感的空间，当我们手中的笔在画面上移动时可以感触到空间的前后远近推移，可以想象出视觉所及的所有客观和主观物象及空间形态关系。
画面的空间观念在学生练习中有着非常重要的作用。我们画一组有花的静物，不能单纯地理解为表现花的基本形状、体积、明暗和色彩，而应理解为表现以花为主体的一组静物在画面空间当中的不同分布关系。首先想到的是花及其次要物体在画面上的位置和占有的面积及周围空间的各种关系，然后才是如何表现这组有花的静物。
在写实油画中，空间的表达与形的透视变化和色彩的透视变化密不可分，因此，在基础训练中，必须明确并努力实践这一要点，从而强化空间观念的建立。
1.形的透视变化
对形的透视变化的准确把握是创造画面空间的最主要方法，也是画面构图的基石。虽然在油画教学中老师会三令五申透视的重要性，但犯这一错误的情况却是屡见不鲜，尤其在外出写生时表现得尤为突出：有的学生会将房屋等建筑物的消失线的方向弄反，有的学生随意地抬高或降低视平线，将远山随意升高或压低，殊不知你在画面上的任意为之会出现“失之毫厘，差之千里”的错误。分析以上情况，原因如下：（1）缺乏对基本透视知识的掌握理解；（2）缺乏对透视知识的主动把握和运用。要解决以上问题，首先要让学生掌握平行透视，成角透视，倾斜透视，曲线透视，阴影和反影透视的基础知识，其次要让学生明白绘画毕竟是个相对感性的手工制作活动。在绘画中我们不可能像绘图那样去寻找准确的灭点、余点，况且我们所谓的定点观察其实并不能真正做到，因为在画画时人不可能保持绝对的静止，这样一来，就出现了多视点、多视域、多视平线的情况，与焦点透视的规律产生了矛盾。此时，我们就需要探索一种简便适用的方法来准确把握透视关系，因为影响透视变形剧烈与否的关键因素是透视缩短的比例，同一个形及空间的透视变化是通过其比例变化来完成的，所以我们可以直观地称之为“透视缩小法”。
2.色彩的透视变化
由于空间距离的远近而引起物体色彩的透视变化称为色彩的空间透视。“这个理论首先由达・芬奇在16世纪早期总结出来。它基于这样一个事实，即我们周围的空气在任何时候都不是完全透明的，它总带有一点淡淡的蓝色。因此，在远处的物体比近处的物体更加模糊，且色调偏蓝。当然，这种效果也会随天气情况而变化的。在浓雾天气，百尺之外的树也会是灰蒙蒙的一团，而晴朗的天气里它在百米之外仍然清晰可辨。然而，无论气候情况如何，随着距离的增加，物体都会变得朦胧起来，而且颜色发蓝发灰。所以我们的潜意识已经学会把这种现象理解为距离产生的效果”。［2］在风景写生中，由于空间距离深远开阔，这种色彩透视变化的规律格外突出。而画静物时，空间变化不是很大，色彩的透视变化程度也相对较小，但要在画面中处理好空间关系仍需认真对待。
综上所述，写实油画的空间处理不外乎形与色彩两方面。形的透视变化是画面产生空间感的骨架，是色彩变化的依据；而色彩透视变化则给画面带来空气感的氛围，赋予画面以特殊情绪和灵魂。这是写实油画家的基本观察方法，是写实油画的基本艺术规律，也正是写实油画生命力所在。
二、体积观念
任何物体都是有厚度、有体积的。现代主义绘画之父塞尚主张将自然界的一切物体都当做圆球体、圆柱体、立方体、圆锥体等几何形体去理解，这对强化物体的体积感很有帮助。“初学素描的时候，最重要的是培养一种把任何东西都看作是简单几何形体的习惯。必须坚持这样做，它可以使你感受到形体的完整性，略过初学者容易关注的琐碎的细节。尤其是这样做可以让你从大体块着眼，增进你从整体出发的思考能力，应当使之成为一种本能的习惯”。［3］
当我们想在一张纸或一块画布平板的表面上创造一个写实造型的时候，能够运用简单几何体块来呈现形体是最有用。造型上与之有关的各种难题，诸如总体形状、比例、方位、块面、细节、明暗，还有线条，都可以作为简单几何体块来考虑，给予一一解决。
我们可以举这样一个例子，就是用体块的方法画一个头颅的侧面。初学者容易陶醉于细节的描摹，结果很可能画出一个很歪曲平面的造型。但如果你先把这个头颅理解为从正面看是一个蛋形，从后面看是一个球形，细节的描绘服从于总体形状，这样画看起来就显得整体有力。
我们要明确一点，体块并不等于方形的或是比较硬的笔触。在油画学习中，有些学生一味地在画面上摆笔触，觉得这样就能增强画面的体积感，孰不知这样的认识是相当片面的。试想，古典绘画大师的作品，笔触大都隐藏于画面之中，但画面所传达出来的体积感、厚重感却是那么撼人心魄，这一情况不得不引起我们深刻的反思。
在这里我们还需要强调的是，体块也并不直接等于体积感，只有准确、确切的体块才能达到表现体积感的目的，反之，它就会起到肢解、破坏形体的作用，从而远离造型的目的，使绘画者处于机械被动的状态。比如在学习中也不乏这样的例子，在人体写生时，有些学生面对一个活生生的、丰满圆润的女人体，竟然将对象在画布上肢解成支离破碎的大块小块，然后进行拼装，结果可想而知。这一现象警示我们，体块只是手段，体积感才是目的，我们应该将体块的方法转化为体块的意识，从而建立起很强的体积观念，调动一切绘画手段，诸如线条、明暗，去表现物体的体积感。
三、结构观念
结构这一词常常被笼统地理解为物体的构造，但结构在绘画中的含义比较广泛，绘画的结构是绘画的内在形式，是构成绘画各种艺术形式的骨骼。它不仅包括物象本身的结构，即解剖结构、光影结构、形体结构，而且包括画面的构成结构，即形式的结构。初学绘画者为了建立绘画的结构观念，适宜分阶段有侧重地对各种结构知识进行专项训练。比如画人体时，可先侧重解剖结构的学习研究，其次逐渐介入其它结构因素的强化训练。当然，绘画从来就是一个整体的能动操作过程，分阶段训练的目的是为了整合各种结构因素最终转化为绘画语言，为画面效果服务，切忌机械死板地片面对待。
掌握解剖结构是获得人物造型能力的根基，即所谓的“透过现象看本质”，“庖丁解牛”说的也是这个道理。物象的外部形态也体现着一定的结构关系，尽管它决定于内在的解剖结构，但它仍然有自己的外部结构特点。大自然中解剖结构是生动的、多变的，如果没有形体结构去归纳、概括，画面就会出现琐碎，会使绘画过程变成被动的，绘画者将陷入极度的苦恼之中。人体写生时为了表现出人体的造型特征，就必须在人体结构基础上动用人的理性思维进行形体结构的概括。“结构是人的理智创造出来的，人体本来没有结构，有的只是解剖，结构是人认识人体解剖的方式。解剖是向无限细致发展，而结构相反，是向概括和简化发展。结构意识是面对自然时的组织和布局”。［4］光影结构是自然物体在不同的光线和照射角度下呈现出的特定状态，准确恰当地把握光影结构对烘托画面氛围，逼真地再现客观物象会起到重要的作用。然而，光影结构是可变的因素，形体是不变因素，在特殊的光照角度下形体呈现的明暗现象会破坏形体的完整感，因此，我们不能完全照抄自然现象的光影明暗效果，要从理解形体的角度出发运用明暗。基于准确形体结构上的丰富明暗层次变化，是进一步深刻理解和生动表现对象的手段和方法。明暗光影的变化是受形体结构所制约的，把笔多用在结构转折处，自然能做到形色结合，反对脱离形体结构的明暗层次的涂抹。
物象的画面结构是物象结构在画面上优化整合的结果，它不同于物象结构，它也不是物象简单地在画面上的安排和局部的联系，而是物与“画”完全的融合，是画面构成的每一种形状、线条、明暗、色块、肌理等因素在画面中的合理安排和巧妙组合，是形成画面意义和画家所要表达意思的画面基础，是一种全新的结构体系，亦可称之为“构图”。野兽派的代表人物马蒂斯认为：“构图是一种艺术，画家运用这种艺术，以某种装饰手法把许多组成要素按他的处理排列起来，借以表达他的感情，在一幅画上，每一部分都将是明显可见的，他们扮演着画家要它们扮演的角色，不论这东西是主要的还是次要的……”在平时的写生训练中有两种倾向值得我们警惕：一是对画面构成感缺少认识，画面上出现的只是物像的形状“形”，而没有造型的“型”；另一种情况则相反，是只体现画面的构成关系而失去了物体的自然特质。对此，我们不可盲目偏向一方，不可走极端，最好两者兼顾，协调发展。
绘画作为一种艺术形式，任何程式化的机械操作都会抑制艺术思维的独创性、抒情性和综合性的发挥。这里提出各种绘画观念的建立旨在培养绘画初学者在绘画实践中对画面的宏观把握能力。学生在各自绘画实践的探索中，是不容易得到完善的结果的，这需要有经验的教师去引导他们，使他们得到一些他们必须得到的知识，从而建立起系统的绘画观念。
参考文献：
［1］苏珊・朗格著.刘大基，傅志强，周发祥译.情感与形式［M］.北京：中国社会科学出版社，1986：86.
［2］希尔沃德・莱斯特・库克著.诸迪，于冰译.向大师学绘画油画技法［M］.北京：中国青年出版社，2000.10：31.
［3］罗伯特・贝弗利・黑尔著.朱岩译.向大师学绘画素描基础［M］.北京：中国青年出版社，2003.8：81.
绘画的基本知识范文
基础绘画技能学习是一切绘画的基础环节，是设计专业学生的必修课。只有在充分掌握基础绘画的技能后，才能对设计有所创新。但是在高校设计专业中的基础绘画教学中存在很多不利于教学的因素，高校基础绘画教学体制有待改革。
一、高校设计专业中基础绘画教学的现状及问题
（一）基础绘画教学的定位不准确
随着艺术设计专业的不断发展，作为美术教育重要组成部分的基础绘画教学在设计教学中得不到重视。在很多高校的设计专业中对于基础绘画教学一直采取单一的方式，照搬现实。在实际教学中不能要求学生在设计上创新与自我创作，而艺术设计本身是与创新紧密结合的学科，这样的教学模式违背了设计专业的初衷。实际的设计教学中，基础绘画并不是教学中的重点部分，而是课堂中的附属部分，教师在教学中对基础绘画教学不重视。
（二）设计专业不能与基础绘画教学相结合
众所周知，素描和色彩是所有与设计专业相关的基础绘画课程。长期以来，素描和色彩被认为是造型艺术的基础环节，但是在设计学习中，很多学生不能把基础绘画技能与设计相结合，只在绘画写生和技术手法上下功夫，而真正忽视了设计要有专业性。这样一来，造成恶性循环，对学生的设计思维没有好处。
（三）国外浮躁艺术形式的影响
影响着基础绘画教学质量重要原因是国外艺术在国内的传播，国外一些创新性的艺术作品形式在高校出现。由于一些艺术家在艺术上的炒作，使得学生在思想上比较浮躁，作品急功近利。学生在模仿中忽视了艺术的规律性，对基础绘画教学缺乏耐心，尤其艺术设计创新上不具有竞争力。
二、改善高校设计专业中基础绘画教学的举措
（一）提高基础绘画教学的重要性
当前，在很多高校设计类专业的课程设计中，不能体现对基础绘画教学的重视。有些高校开设了基础绘画课程，但是教学一直处于摸索的阶段，因此在课程的设置安排上不具有科学性，经过调查表明课程之间的相互联系非常小，各个知识点之间是相互独立而存在的形式。这样的局面导致了基础绘画课程不能很好的为设计专业学生提供有力的学科支撑。所以，为了提高设计专业学生的基础绘画能力，需要教师在教学过程中将基础绘画教学视为教学中的重点，而不是学生眼中的选修课。在将基础绘画教学纳入到教学体系中时，将其他学科科学合理的进行分类，使他们之间能够互相联系。这样形成的教学循环模式不仅能够提高教学效果，还能促进学生学习专业知识。
（二）合理选择教材，增加辅助教学
基础绘画教学课程在艺术设计专业中开设的课时比较少，对于教学的时间不足，针对教学课时的教材以及辅助资料也相对匮乏。在专门的绘画专业中，其教材比较丰富，并且对于绘画教学比较专业，但是在艺术设计类的教材中需要具有专业性和学术综合性，既要求学生能够掌握基础绘画技能和相关知识，还要开拓学生的视野，从而进一步扩大学生的知识面。高校在辅助教学资料配置方面需要能够满足不同专业层次学生的发展需求，以此来最大程度上的避免教师在教学中的循规蹈矩。设计专业最主要的技能就是创新与个性，虽然在高校设计专业的基础绘画教学还在探索中，但是教师应该坚持对学生们进行创新能力的培养。通过教师对教材的精心编排，能够为艺术设计专业学生提供更加科学而合理的基础绘画教学资料。
（三）充分利用教育资源
对于艺术设计专业学生来说，美术馆以及博物馆是最好的教育资源，对于那些绘画基础比较薄弱的同学而言，练习好扎实的审美基本功是绘画中最重要的环节。艺术教育最基础的教学基础就是训练学生的审美素养，而在课堂上的审美素养培养远远不够。学生在学习时候要多走进美术馆、博物馆和展览馆，这样与优秀艺术作品零距离接触，为学生打下扎实的动手能力，这也就是将美术馆搬进了课堂。
