设计美学的含义(6篇)

设计美学的含义篇1

关键词：物哀美；审美意识；日式哲学；艺术设计

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中图分类号：TU文献标志码：A文章编号：1008-2832（2016）11-0035-03

“MononoawareBeauty”andLsseyMiyake’sArtDesign

LINMeng-yi（AcademyofFineArtsforFuzhouUniversity，Xiamen361000，China）

Abstract：IsseyMiyakeisafamousJapanesefashiondesigner.AsheisdeeplyrootedintheJapan’snationalconcept，Hesuccessfullyconductedaclothingrevolutionbymakinganinnovativedesignoftwo-dimensionalcutting，whichisashortcominginorientalclothing.Awiderangeofresearchesofhiscostumedesigninghavebeendone，however，fewpeopledrawtheirattentiononhisdesignofexhibition，architecture，lightingandbag.ThispapermakesaspecializedresearchonthebeautyofMononoawareinIsseyMiyake’sartdesign.PhilosophicalaestheticideasareinvolvedintheJapan’sdesignrepresentedbyIsseyMiyake，whichhavesomereferencesignificancetocontemporaryChina’sartdesign.

Keywords：mononoawarebeauty；aestheticconsciousness；Japanesephilosophy；artdesign

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一、日本传统审美思想中的“物哀美”

（一）日本“物哀美”的缘由和萌芽

“物哀美”最早是日本江户时代的国学大师本居宣长在他的著作源氏物语》中作为文学理念而提出的，实质上“物哀美”是根植于日本人的民族心理的，也是一种日本人的生命观。正如日语的含蓄和模糊一样，“物哀美”的含义也是模糊的，有“悲伤，神秘，叹息，寂静”的含义。随着时间的发展，“物哀美”逐渐渗入日本的戏剧，绘画，舞蹈，音乐和艺术设计中。日本的戏剧表现的悲剧不是极度悲怆式的嚎啕大哭，而是在寂静中悲伤；日本的绘画多是中间色，极少有浓烈的色彩；日本的舞蹈动作缓慢而深沉，却蕴含着极大的力量；日本的音乐节奏单调，甚至国歌不是雄壮而是有悲伤的感觉。“物哀美”产生的原因主要是日本的地理位置导致的一切经济政治因素，日本是一个岛国，在这个岛国，物质资源十分的匮乏，导致日本人特殊的危机感，比如日本的“盒文化”及“实用主义思想”也是出自于此原因。日本人“无常”的价值观使他们认为稍纵即逝的事物就是美好的，比如说樱花的美好主要在于昙花一现，最终日本人形成了“物哀美”的审美思想，他们对于残缺、晦涩有一种几近疯狂的喜爱，“物哀美”的审美思想融入在日本人生活的方方面面，当然也融入在了日本设计之中，形成纤细悲怆的审美情趣。

（二）由“物哀美”审美思想导致的日式其他审美思想

由“物哀美”衍生出了其他审美思想及其和它们的关系有如下：第一是“返璞归真”，这种思想和“物哀美”的关系是由于日语的模糊，“物哀美”还有“寂静，古雅，平淡”的多层含义，而“返璞归真”正是一种经过岁月洗炼的朴素，平淡，古雅，寂静的意象，也是一种具有自然观的美学意识，日本的“手感设计”实质上也体现了这样一种“返璞归真”的自然观。日本的神社的建筑十分简朴，经常暴露木材和水泥土，因为日本人认为万物有灵，刷上油漆会破坏了自然的生命；寺庙的地面也很少运用大理石和水泥，经常用一些细碎的石子铺路，行人走在上面发出细微的声音更显得枯高。第二点是“纤细褶皱”，这种思想和“物哀美”的关系是由于“纤细褶皱”也是一种“破碎的状态”，即“瑕疵之美”，日本人认为世上不存在完美的事物，即使有也稍纵即逝，所以导致根植于民族的“物哀美”审美观，认为稍纵即逝的悲伤事物是美的，即“物哀美”。

（三）“物哀美”审美思想在日本设计及文化中的体现

“物哀美”的审美思想体现在日本方方面面的文化中，比如茶道，插花甚至便当文化中。体现在日本设计中主要有器物设计，建筑设计，园林设计。器物设计表现在以雾面代替光面，以手工代表机器，喜欢利用自然材料，造型多是撕裂，摔碎的意象；日本的建筑也经常暴露原材料而不加以粉饰，体现出自然主义观；日本的园林设计以枯山水为代表，体现出一种枯高，苦行的意境。

二、三宅一生的“物哀美”设计思想

三宅一生是日本著名的服装设计大师，然而他不仅是个服装设计师，随着时间发展，他的设计还涉及到灯具，包和建筑设计。他在1970年成立了三宅一生设计室，当时刚经历了60年代的“嬉皮士运动”，由于“嬉皮士运动”的“反权威，反主流”思想，当时的年轻人具有逆反心理，大多标新立异。而三宅一生正是抓住了当时年轻一代的人的心理，运用新颖，象征的服饰结合中西方风格的同时，体现了日本民族文化。二战之后，经济政治动荡，大众渴望安定美好的生活，此时，三宅一生再次抓住大众心理，把折纸元素，灯笼褶皱元素融入到服饰设计中，让消费者联想到童年美好的回忆。2012年，日本政治经济逐渐稳定，三宅一生的设计也更加多样化，从服装设计到灯，香水和建筑的设计，其日式哲学理念始终融入其中。

三宅一生的所有设计作品都能体现“物哀美”的审美思想，比如服装上的“解构主义”，即符号的分解再重组呈现出一种破碎的状态，其实就是“瑕疵之美”，同时三宅一生设计的服饰即使颜色很多，也多为冷色调，呈现出“物哀美”的审美情趣。此外不论是服装设计，建筑设计，还是灯具和包的设计，三宅一生的设计都表现出“褶皱”，衣服呈现出折纸的形态，灯具也是折纸形式，并且可以根据折痕压缩携带，而建筑简直就是一个巨大的钢铁折纸的放置。“褶皱”也是“瑕疵之美”，同样蕴涵着“物哀美”。

三、“物哀美”和三宅一生的设计成就

（一）“三宅一生”店铺的展示设计

1.空间设计

“三宅一生”店铺设计的空间有如下三个特点：第一喜用白色背景墙，使空间看起来更加开阔简洁流畅；第二店面外墙采用透明玻璃围合，更让人感觉通透。第三经常利用原生态的混凝土墙壁围合空间，体现“返璞归真”的自然观的同时也具有一种神秘，隐晦的感觉，空间设计整体喜欢大面积分割，呈现几何美感，十分简洁，质朴。（图1）

2.灯光及色调设计

三宅一生的展示设计的色调一般呈现冷色调，比如蓝色，绿色和黑白色（图2）。整体色调体现出一种阴郁、神秘、隐晦和不安的感觉，即“物哀美”。试图把这种“物哀美”的情愫融入到充满现代气息的店中，而丝毫没有诸如浮世绘等明显的日式符号。

3.展柜设计

三宅一生的展柜设计分成两种，一种极度简约，另一种呈现出抽象的褶皱（图3）。比如在三宅一生的24IsseyMiyake店中放弃了标准的陈列方式来陈列展品，这些展架是7mm的钢条，这些钢条能调节长短，在平面的视觉上形成了点的阵列，侧面观看便是参差不齐，三宅一生的包仿佛随意散置在一个透明的花园之中，而这些“展柜”正是一种抽象的“褶皱”。（图4）

4.展品摆设设计

服饰摆设设计分为两种，第一种是服装总是以一种摇摇欲坠的动态感被置于不平衡的陈列桌或垂直挂在天花板下，表现出一种模糊和神秘的状态。第二种是服饰被结构化陈列，被精心折叠平放在展柜上，褶皱处“细微之处见宇宙”，这种陈列方式正是体现出了这种日式哲学思想。（图5）

（二）三宅一生的服装、包和灯具设计

三宅一生的服饰最重要的特点就是“解构主义”，是突破西方“结构主义”的束缚。所以三宅一生的服饰是一场服装革命，是唯一可以和西方服饰界抗衡的设计。三宅一生的服饰均体现出了“物哀美”的审美情趣。在服装上体现出“简朴自然”“残缺之美”“纤细褶皱”。而“解构主义”本身就是各种符号的分解再乱序或有序重组，经常呈现出一种破碎的形式，即“瑕疵之美”；再加之衣服上的“褶皱”元素也是“瑕疵之美”，而三宅一生的服饰大多简约但富含精神性，色调多为冷色调，体现阴郁的感觉。“纤细”体现在虽然三宅一生的服饰大多呈现破碎，撕裂和不平衡的模样，但是做工精细，每一处褶皱悉心照料；“返璞归真”在服装上具体体现在服饰的布料多用天然材料，诸如麻、棉、竹等。

三宅一生设计的包最经典的莫过于BaoBao系列，这一系列的包的灵感来源于折纸元素，整个包充满了建筑的结构感。他同样运用了“褶皱”的元素，体现出了瑕疵的“物哀美”。

三宅一生的经典灯具是IN-EI折纸灯具，它精致的光影效果和它的褶皱都体现了纤细的“物哀美”，其次它体现了“实用主义”的设计思想，可以把物体从2D到3D展开，很好的解决物品的运输问题，也便于存储和携带。（图6）

纵观三宅一生的服装，包和灯具设计，都蕴含着“褶皱元素”，体现了一种晦涩、神秘、阴郁的情愫，即纤细悲怆的“物哀美”的审美情趣。

（三）三宅一生的建筑设计

三宅一生和被称为“清水混凝土诗人”的著名建筑家安藤忠雄共同设计了21_21DesignSight博物馆。这幢建筑也是利用三宅一生的美学思想“一块布”进行设计，整个建筑与其说是建筑不如说是一块折起来的铁板，体现了褶皱的“物哀美”审美思想。建筑内部也十分独特，大多采用暴露原生态水泥作为装饰立面，体现了日式的“返璞归真”。建筑内部很开阔高大，灯光幽暗，色调晦暗，多使用大面积的玻璃隔断，整体空间呈现出阴暗，晦涩的“物哀”美学。（图7）

四、结束语

本文研究了三宅一生的服装设计，展示设计，建筑设计和灯具设计中的美学思想，并且归纳总结了这种美学思想的主体，即“物哀美”的审美意识，随后由“物哀美”发现了日本其他美学思想，即“返璞归真”和“纤细褶皱”的美学思想并思考“物哀美”和它们之间的关系。由此研究了“物哀美”对日本总体设计的影响。日本的设计不仅细微精密，更主要的是它设计中能体现出民族观念意识。日本设计在传统与现代，东方与西方之间找到了一条适合本国设计文化发展的道路，这对我国设计也有很大的借鉴意义。

注释：

①紫式部.《源氏物语》[M].北京：北方文艺出版社，2012：6.

②尹定邦.《设计学概论》[M].长沙：湖南科技出版社，2010：7.

参考文献：

[1]曹玉敏，刘菲.品牌服装设计文化与战略――以三宅一生品牌和初语品牌为例[J].美与时代，2015（2）.

[2]陈丹.服饰设计之日本式的“空”――三宅一生品牌的设计哲学探究[J].美术大观，2013（4）.

设计美学的含义篇2

我国文化底蕴十分深厚，因此我国的民间美术符号拥有悠久的历史，有很多种类。民间美术符号是人们生产活动以及生活中，根据地域的不同，从而生成的文化积淀，因此民间美术符号具有通俗、简单的表达形式，同时它还具有当地生活气息。我国民间美术符号表达形式有剪纸、皮影戏、陶瓷以及刺绣等，美术符号在民间的风俗习惯下不断发展，满足了我国劳动人民物质以及精神上的需要。民间美术符号是我国劳动人民智慧的结晶，在当代平面设计中加入我国的民间美术符号具有十分深远的意义。

（一）满足文化传播的需要

民间美术符号有很多种表现形式，一般它的存在载体是一定的时期内当地的文化与风俗习惯，它能够在一定程度上反映出当时当地人们的思想情感。将我国的民间美术符号巧妙适宜地运用于当代平面设计中，能够促进平面设计中作品设计主旨的呈现和表达，一些具有特定意义的美术符号能够很好地凸显出设计作品所隐含的寓意，延展作品的内涵，提高作品的艺术性。同时，把美术符号与当代平面设计相结合，能够吸引作品受众的兴趣，引发他们的联想与共鸣，把作者的创作意图与作品主旨清晰地传递出来，便于受众的理解。而且，民间美术符号在当代品面设计中的适当应用还有利于传播和发扬我国传统文化。

（二）适应客户的心理需求

在平面设计中运用我国民间美术符号时，有时候民间符号和平面设计要表达的意思不一致，但是运用到里面之后依然能够对作品的意义进行清楚表达，这足以说明我国民间美术符号具有灵活性的特点，可以转换成设计作品中要表达的意义。在平面设计中应用美术符号，不仅可以让设计作品少一点商业气息，多一些文化底蕴，还能缩短生活以及艺术之间的距离，让设计作品更加具有亲和力，从而满足人们的需求。

二、民间美术符号在平面设计中的运用

我国民间美术符号的多样性、表现力强以及丰富的含义对设计作品中的意义可以很好地传达，可以说，民间艺术对表达设计作品意义以及情感有着十分重要的作用。适当运用民间美术符号还能让设计作品更加富有历史感和文化气息，从而促进艺术感染力的增强。美术符号在平面设计运用的方式主要有以下几种。

（一）美术符号直接运用到平面设计中

根据当代平面设计所要表达的意义与内涵，选择相应的美术符号进行艺术加工，是我国民间美术符号在当代平面设计中的直接运用。由于大多数的民间美术符号都是人们所熟悉的，因此，要想能够更好地吸引受众，在加工运用这些美术符号时，一定要注意作品的创新和与时俱进。

（二）美术符号间接运用到平面设计中

民间美术符号间接运用到平面设计是依照观众对设计作品的审美观，从而对民间美术符号中的情感以及神韵进行含蓄的借鉴，对平面设计所需要的氛围和意象进行营造，给人们广阔的想象空间。

（三）对美术符号进行转换

设计美学的含义篇3

关键词：设计艺术学；极简主义；深泽直人；简约；少即多；人本主义

中图分类号：J501

文献标识码：A

文章编号：1003-9104(2009)07-0061-03

一、极简主义设计概述

“极简主义”(Minimalism)，又称“极少主义”，是20世纪60年代西方现代艺术重要倾向和流派之一。极简主义的影响从最初的纯艺术领域扩展至时尚、文学、音乐、建筑、设计与装饰领域，成为现代的一种重要设计思潮。产品设计中的极简主义，始于80年代，是一种美学上追求极端简单的设计风格，受到现代主义运动和米斯・凡德罗“少即多”设计思想的直接影响。时至今日，随着工业化的进展，技术的快速发展，极简主义设计已成为时尚，极致简单的造型，整体呈现干净、高品质的设计感。

深泽直人是日本著名的极简主义设计师，被喻为是启发了Apple和Intel的设计师。深泽直人的极简设计，在日本禅意设计基础上，融入更多精神层面的内容，形成独特的设计哲学，下文将以深泽直人的设计为例，探讨极简主义设计的本质意义。

二、极简主义设计的主要特征

2.1简约的形式

极简风格的设计特征是具有美学性的“减化”主义，是在感知、视觉审美的基础上针对设计对象“量”和“形”的简化。以抽象的几何形体和简单原则为基础，通过对造型的抽象提取，使形式、色彩、材质等表现符号具有含蓄和凝练的特点，将物体形态的通俗表现提升为一种高度概括的抽象形式。深泽直人的极简设计(图1)，强调“sleeksimplicity”、“user－friendliness”(光洁的外表，用户良好性)，产品的形状精简到最基本的几何形，通过精准的比例分割，适当的倒角，纯净的色彩，类似瓷器表面的质感和严谨优良的工艺，给人一种“禁欲”的美感。平凡但不普通，简单却不简陋，精致而不张扬，体现着日本禅宗空灵、优雅的独特气质。

深泽直人提倡“极至简单”(superNormal)的设计，他认为“Theobjectsthatreallymakeadifferencetoourlivesareoftentheleastnoticeableones，thatdonttrytograbourattentionThey'rethethingsthataddsomethingtotheatmosphereofourhomesandthatweftmissthemostiftheydisappeared，”(真正让我们生活变得不一般的产品通常是那些最不引人注目的，它们并不试图攫取我们的注意力，一旦让这些融入我们生活的产品消失，我们将无所适从，这些东西就是SuperNormal。)深泽直人的设计，有一个“极至简单”的原型，也就是通过美学性“减化”而得到的抽象形式。以2.5R系列为例(图2)，带有圆角的方块就是一个原型，从这个基本形态衍生出不同的产品，包括钟、LED数字钟、计时器、FM收音机以及一个空白的盒子，2.5mm倒角带来的圆润感，则在视觉和触觉上化解了方形外壳的冷漠坚硬。

2.2清晰的功能

从设计发展的角度看，极简主义作为一种设计风格，其渊源可以追溯到功能主义。在功能为中心的设计思想的引导下，极简主义产品造型体现出简单明快、功能清晰的特征(图3)，明晰的线条，工整的细节，在开关、把手、数字和显示部分，都具有一目了然的特点，通过对空间、比例、线条、体量等要素的准确把握，体现出整体性、功能性和秩序性。

产品造型的精简，强调了一种“可靠”和“可控”的意味，突出体现产品功能的实用性，产品的维护和人体工程学等方面的要求(什么是“好的设计”与如何表现今天)，有一种“从适用性和简洁性而来的干干净净的优美和雅致”(现代建筑的先驱者――从威廉莫里斯到格罗皮乌斯，13)。“极简”是相对繁琐、复杂而言的，强调设计作品的便捷性和实用性，体现隐忍、谦虚，平实等特性，并在这种“极简”的外表造型中实现使用者高雅、明快、和谐的精神感受。简约而准确的造型有利于功能清晰而明确的表达，使用者通过产品的造型即可了解其功能性质，并自然地操作和使用，带给人们轻松愉悦的使用体验。

三、极简主义设计本质的探索

3.1极简主义是注重“质”的设计

极简主义是一种设计风格，也是一种生活态度，要求在有限的设计元素中表现产品的性格，包容形式的简约性与内涵的丰富性。极简主义是注重“质”的设计，对“质”的理解，包含了“品质”和“本质”两层含义，要求优良的品质和自然、真实的呈现。

3.1.1注重设计的“品质”

极简主义作为一种设计风格，推崇的是最简单的结构、最节俭的材料、最洗练的造型以及最纯洁的表面处理。形式的“极简”意味着对产品的重新定位，摒弃繁琐而强调精粹，促进产品形式与功能的内在协调，体现合目的性的形式美与功能美。因而，极简主义设计是注重产品品质的设计。

对产品品质的追求，是生产力水平和民众富裕程度提高的表现。“简约”的品质建立在完美、均衡、自然、坚实等原则上，来自对细节的执着、材料的合理选择、完美的工艺及结构，需要的是设计师的耐心和努力。优良的品质，一层含义是形式的美，首先在视觉上给予使用者美的主观感受；另一层含义是功能的精确、合理，体现可靠性和可控性，能够给予人良好的使用体验。深泽直人的极简设计，优雅而纯粹，精致而凝练，在形式美和功能美上都达到了一定的境界，是高品位、高品质的设计。

3.1.2追求设计的“本质”

极简主义设计，强调回到原点，回到生活中，重新审视人们周围的事物，在洞察其本质的基础上，以合理的设计手段，创造出高品质的、美好的、与人关系和谐的产品。因而，极简主义设计是追求事物本质的设计。

事物的“本质”，是从形式到精神的提纯。在设计过程中，从一个好的创意开始，经常是对设计元素不断地增加和融合，当这种“增加”只是作用于广度而非深度的时候，就会造成增加复杂度却失去原有设计意义的状况。极简主义则以“减”的手法，对设计元素进行抽象和提炼，力图以最简单的方式来表达丰富的内涵。就工业设计来说，“少”的具体体现为“单纯”：“单”指删繁就简，实现产品外形的简洁明快；“纯”指去除杂质，突出产品内在的功能精粹，以简洁的外形包孕与功能相联系的丰富蕴含。

简约的美，更多是依赖那些被精心选择的本质性元素，而非表面的装饰。根据弗兰克?赖特的“无关紧要物品的清除”思想：没有绚丽的颜色，不合适的或是运用糟糕的装饰，或是拙劣地试图去掩盖或隐藏一个物体的真实本质，为哪怕是最低劣的制品都增加了完整性及有价值的感觉。深则直人“极至简单”的设计，正是通过寻找意识的核心，抽取人与物之问的本质联系，从直觉层面传达设计物的意义，达到人、产品、环境三者和谐的互动。如图4A中结合了废纸篓的打印机，在设计过程中不刻意考虑打印机的外形，而是注意到它和周围环境的关系，将纸张、打字、废纸这些因素关联起来；图4B中的照明瓷砖，完美地与环境融为一体，以极简的风格实现功能与美感的统一；图4c中的CD播放器，则是将使用排风扇的动作、感受移植到播放器的设计中，通过拉的动作实现音乐的播放，其功能的表达和实现清晰有力、一目了然。

3.2极简主义体现了设计价值的回归

在现代社会中，产品作为人类情感的寄托，更应该承载起对人的精神关怀和心理慰藉的重任。通过设计赋予产品对人的价值与意义，这是人精神层面的需求。极简主义，是出于人的需求而进行的简化，在表现事物的本质之外，更带有人本主义的关怀，体现着设计价值的回归。

3.2.1极简主义体现了“人”的主体地位

现代设计普遍偏离了它的本意，设计师更多关心的是设计的吸引力和个性，而非传统易用好用的原则，认为平常等同于无味；商业性的设计倾向于强调设计和产品本身，作为体验者和使用者的“人”则受到忽视；商家奉行“有计划的废止制度”，为一个本质相同的产品更换不同的外观，不断刺激消费欲望。所有这一切，使得人因产品而提升形象的功利主义大有市场，这也将“人”的主体地位拱手让给了产品。

深泽直人的极简设计，并不意味着平淡无味，极简的外形是高度抽象概括的产物，是设计师深思熟虑的结果。作为谦虚的设计，相比那些炫耀的、哗众的时尚设计，更容易获得真诚的赞誉，超越实用、美观、环保、创新这些衡量标准，它体现了设计的价值回归――设计，应该使生活变得更美好，使人、产品、环境有和谐的关系。深泽直人的设计对象，并非高科技的产品，而是普通的日常用品，比如托盘和磁铁(图5)。在剔除了设计中过分自我表达的成分后，这些一直存在于我们的生活中，并和人们保持良好关系的平常物品，往往比刻意设计的新产品更好。产品的品质不再仅仅受限于外在形式，而关系到人们在使用过程中的感知，此时，产品不再成为焦点，“人”的主体地位得以充分的体现。

3.2.2极简主义体现现代人追求简单生活的心理需求

现代社会快节奏、满负荷，使人长期处于紧张状态；消费文化的快速发展则导致审美的泛滥，过多的信息量产生审美疲劳，造成人与人、人与物的疏离。纷繁复杂的环境促使人们向往简单、自然、安宁的生活，渴望以简洁、纯净来调节心理，极简主义的流行正是出于这种最本质的生理和精神的需求。

无论是形式语言、主题表现还是审美功能，极简主义设计要求超越复杂，回归本质，摒弃无用的细节，保留本真而纯粹的部分。深泽直人设计的加湿器和空气清新器(图6)，围绕设计的核心，抛开一切可能干扰人的因素，只剩下单纯的外形以及本身的功能，当它融入环境中时，是亲切而平静的，不张扬，不突兀。这种自然而本意的设计，从精神的层面思考人与产品、环境的关系，优雅、克制、清晰而纯净的特质抚慰了现代人的心灵，缓解了快节奏都市生活带来的精神压力以及美学泛滥造成的审美疲劳，减少了人们的精神负担。

极简主义符合现代人审美和社会生活的需要，其外在特征回应了现代生活的功能需要，丰富、深邃的内涵感悟则满足了现代人的精神需求。极简设计所倡导的简单、实用、品质的生活方式，是对物质化社会的一种极致性选择，也是现代人追求简单而高品质生活的具体表现。

设计美学的含义篇4

关键词：景观、景观设计、景观设计原则

景观是“景”与“观”的结合，包括了视觉、美学意义(与网景、景色同义)；又有地理学意义(与地形、地物同义)，用来描述地质、地理和地貌属性；还有生态意义(指其作为生态系统能源和物质循环的载体)；此外还有文化意义，指其作为人类文化、精神的载体。现代景观设计学的设计对象既为景观，因此景观概念的发展对现代景观设计有着重要的指导作用。

1、景观的内涵

1.1传统意义上的景观内涵

在欧洲，景观一词最早出现在的希伯来的《圣经》中，用来描绘具有所罗门王国教堂、城堡和宫殿的耶路撒冷城美丽的景色。15世纪中叶西欧艺术家们的风景画中，景观成为透视中所见地球表面景色的代称。16世纪末，“景观”主要被用作绘画艺术的一个专门术语，指陆地上的自然景色。17－18世纪，园林设计师们基于对美学艺术效果的追求，开始采用景观一词。至此为止，景观一词主要突出的是一种综合的和直观的视觉感受景观主要指视觉美学意义上的概念。

景观一词在英语(Landscape)、德语(Landschaft)、俄语中拼写相似。在德语中，“景观”(Landschaft)一词本身的涵义是指一片或一块乡村土地，但通常被用来描述美丽的乡村自然景色。英语中的“景观”(Landscape)源于德语，也被理解为形象而又富于艺术性的风景概念。而景观作为风景的同意语也一直为文学艺术家们沿用至今。

1.2不同学科对景观的解释

1.2.1地理学中景观概念

19世纪初，近代地理学创始人洪堡(1769.1859)将景观概念首次引人地理学，并从此形成作为“自然地域综合体”代名词的景观概念。强调其地域整体性，更强调综合性，认为景观是由气候、地貌、水文、土壤、植被等自然要素，以及文化要素组成的地理综合体。景观学派的创始人，德国近代地理学家施吕特尔(1872－1952年)把景观看成是一个区域结合的外貌单元，其中所有“可以感觉到的”具有地域意义的自然和人文现象，并特意把人作为景观的一个组成部分。

不同学者对景观的概念有着笔筒的理解。综合各种关于景观概念的争论意见，可归纳为以下几个方面：①某一区域的综合特征。包括自然、经济、人文诸方面；②一般自然综合体。指地理各要素相互联系、相互制约有规律的结合而成的具有内部相对一致性的整体；③区域概念。‘是个体区域单位，相当于综合自然区划等级系统中最小一级的自然区，是发生上相对一致和形态结构同一的区域；④类型概念。用于任何区域分类单位，指相互隔离的地段按其外部的特征的相似性，归为同一类型单位，如草原景观、森林景观等。

1.2.2生态学中景观概念

自20世纪30年代C.Troll提出景观生态一词以来，景观的概念被引人生态学并形成景观生态学。Troll不仅把景观看作是人类生活环境中视觉所触及的空间总体，更强调景观作为地域综合体的整体性，并将陆圈、生物圈和理性圈看作是这个整体的有机组成部分。

我国著名景观生态学家肖笃宁对景观定义为：景观是一个由不同土地单元镶嵌组成，具有明显视觉特征的地理实体；它处于生态系统之上，大地理区域之下的中间尺度；兼具经济、生态和美学价值。

生态学对景观的认识可以归纳为：①景观是相互作用的生态系统的异质性镶嵌；②景观是地貌、植被、土地利用和人类居住格局的特殊结构；③景观是生态系统向上延伸的组织层次；④景观是综合人类活动与土地的区域整体系统；⑤景观是一种风景，其美学价值由文化所决定。

生态学通过两种途径使用景观这个概念。一种是直觉地将景观看作基于人类范畴基础之上的特定区域.另一种是将景观看作代表任一尺度空间异质性的抽象概念。

1.2.3景观设计学中的景观概念.

景观设计学(LandscapeArchitecture)(我国现称风景园林学)是一门关于如何安排土地及土地上的物体和空间来为人创造安全、高效、健康和舒适的环境的科学和艺术。景观设计学对景观的理解以北大俞孔坚教授的《景观的含义》一文为代表，文章从景观的视觉美、栖居地、系统、符号四个方面对景观的含义进行阐释。将其概括如下：

(1)景观的视觉美含义。指土地的经济价值和美学价值，使其能够知觉服务于具体的生产实践活动和生活需要。

(2)景观的栖居地含义。是指景观作为人在其中生活的地方。把具体的人与具体的场所联系在一起。

(3)景观的作为系统的含义。景观作为系统有着五个层次的生态关系，分别为：景观与外部系统的关系；景观内部各元素之间的生态关系，即水平生态过程；景观元素内部的结构与功能的关系；存在于生命与环境之间，包括植物与植物个体之间或群体之间的竞争。共生关系；存在于人类与其环境之间的物质、营养及能量的关系。

(4)景观作为符号的含义。景观是文化符号，是人类理想道德和价值观念的综合反映。

2、景观设计的内容

景观设计是对土地进行分析、规划、改造、管理、保护及恢复的科学和艺术，是对土地的全面设计，是人与自然关系的协调.是人如何利用土地的问题。

在西方，景观设计学科包含区域性景观设计、城市设计、社区规划设计、风景旅游区规划设计及自然和历史文化保护地的设计，此外还有综合开发设计、土地综合利用设计、传统领域的公园和花园规划设计等。

我国著名学者刘滨谊在《景观规划设计三元论》一文中提出、阐述和论证了景观设计的三元论。文章指出了现代景观规划设计的三大方面：①景观环境形象；②环境生态绿化；③大众行为心理。称之为现代景观规划设计的三元(或三元素)。”这就要求在景观设计时要达到景观环境形象、环境生态绿化和大众行为心理三方面的综合与协调。

现代景观设计的主要创作对象是人类的家，即整体人类生态系统；其服务对象是人类和其他物种；强调人类发展和资源及环境的可持续性。现代景观设计的内容包容了视觉景观(创造符合审美要求的环境形象)、环境生态(创造符合生态原则的环境空间)、人文景象(营造特定的精神环境)三大方面内容。

3、景观设计的原则

景观的发展对景观设计有着促进和指导作用。景观是一个综合的整体，它是在一定的经济条件下实现的，必须满足社会的功能，也要符合自然的规律，遵循生态原则，同时还属于艺术的范畴，缺少了其中任何一方，设计就存在缺陷。这就要求在景观设计中应遵循一定的原则。本文结合景观内涵从景观设计的艺术性、科学性和社会性三个方面阐述现代景观设计中应具备的原则。

3.1景观设计的艺术性――视觉美原则

景观一词最初的含义主要关注景观的视觉特性。景观是视觉美，

景观即风景，是画家描写大地上景物，是在画框里的艺术品，这是景观最早的含义。这就要求在景观设计中要遵循视觉美原则。这也是景观设计最基本的原则。一件好的景观设计作品，应该在满足生态和使用功能的同时，也是一件美的艺术作品。

景观设计的美感通过景观形式表现。景观形式的构成的基本要素具备一定的形状、空间、大小、色彩、质感。景观设计中，景观的形式往往不是以单一形式出现，各要素之间相互作用产生一系列组合规律，如多样统一、对称与均衡、对比与协调、抽象与具体、比例与尺度、节奏与韵律。在景观设计中合理而又创新的运用这些规律，不仅能表现景观建筑的视觉效果，也能协调景观建筑与周围环境。

以徐州淮海战役纪念塔为例。淮海战役纪念塔对比的手法，将淮海战役烈士纪念碑与周围建筑在高度上产生强烈的对比，给人视觉上的冲击，从而突出了纪念碑的雄伟与庄重。同时采用了对称的布局手法，这也是多数纪念性设施普遍采用的设计方法，来表现出环境与氛围的肃穆。合理利用比例与尺度的效果，布置低矮的灌木来突出纪念碑的高大。

3.2景观设计的生态性――生态原则

在生态学中景观则作为生态系统的能量流和物质循环的载体，它与社会物质文化系统紧密相关。生态学思想的引入，使景观设计的思想和方法发生了重大转变，也大大影响甚至改变了景观的形象。景观设计不再停留在花园设计的狭小天地，它开始介入更为广泛的环境设计领域。对场地生态发展过程的尊重、对物质能源的循环利用、对场地自我维持和可持续处理技术的倡导，体现了浓厚的生态理念。而景观的生态设计也有其设计原理。概括如下：

(1)尊重自然原理。地理学中主要关注景观的要素(气候、地貌、土壤、植被等)特征和景观形成过程，它与自然联系密切。

(2)整体设计原理。景观生态设计是对整体人类生态系统进行全面设计，而不是孤立的对某一景观元素进行设计，是一种多目标设计；为人类需要，也为动植物需要而设计，为高产值而设计，也为美而设计。设计的目的是整体优化。

(3)4R原理。主要目的为保护和节约资源。具体内容为Reduce(减量)、Reuse(再用)、Recycle(再生)和Renewable(更新)。

(4)设计适应性原理。自然景观有起自身和谐、稳定的结构和功能，人为的设计必须适应自然景观的原有“设计”，使人为引入的景观元素所带来的负作用最小，以保证整体景观结构和功能的完整性。

3.3景观设计的社会性

3.3.1文化原则――尊重文化

景观所处的社会环境不同，以及人们所受的教育、价值观、审美观的不同都对景观设计产生深远的影响。那些标志着一个国家和地区的景观形象在景观设计中起主导作用，在景观创作中，不能以自己的主观想象来确定其风格。而一定要先对所服务地区的社会文化、历史背景、传统风格有所了解，这样才能使作品得到当地大众的认可，才能具有旺盛的生命力。

以徐州户部山地区为例。在做商业景观设计时，首先要了解户部山的历史与文化背景。在做好古名居保护的同时，尊重当地的文化与开发现状，建设周围的商业景观。如商业建筑要仿古名居的建筑风格；路灯、休息坐椅等景观小品要与当地古朴的文化氛围融合；在设计选材时，着重石材和木材或涂木漆，使商业建筑在外观上有古典韵味。当然在建筑内部的布局与处理上也要与当地文化相映成趣.杜绝“金玉其外，败絮其中”。

3.3.2以人为本原则

“人们规划的不是场所，不是空间，也不是物体；人们规划的是体验――首先确定的是用途或体验，其次才是随形式和质量的有意识的设计，以实现希望达到的效果。场所、空间或物体都根据最终目的来设计，以最好的服务来表达功能，最好的产生所欲规划的体验。”这里所说的人们，是指景观设计的主体服务对象。规划的是他们在景观中所欲得到的体验，如旅游者、设计师和开发商的体验。景观设计的服务对象是人，人在景观中的体验就是主要的考虑因素。不同的景观会给人以不同的心理感受，不同的服务对象也会有不同的景观体验要求。因此，在设计前就需首先确定所服务的对象所欲在景观中表达的思想和感情。只有理解人类自身、理解特定景观服务对象的多重需求和体验要求，才能设计出真正成功的作品。

设计美学的含义篇5

平面设计具有其特殊性，主要是通过将不同的基本图形，按照一定的规则在平面中组成新的图案、图形。因此，在色彩的运用上尤为重要，随着平面设计领域的不断完善和体系的形成，色彩的运用和审美不断提升，色彩美学也逐步被更具体化、现象化的表现出来。一般来说，平面设计作品是通过色彩的传达方式给观众第一印象和感觉，而不同色彩的不同效果能够对平面设计的主题产生深刻的影响。因此，如何通过色彩表现出作品的设计初衷，就成为现代平面设计的重点。

平面设计和色彩设计的联系

1.色彩在平面设计中的先导性

在平面设计中，色彩、文字和图像三元素必不可少，但是人们直观面对一件平面设计作品时，首先映入眼帘的是设计的色彩，其次才是文字和图像内容。因此，色彩的先导性就要求在设计过程中，要通过有效的色彩体现平面设计的设计内涵，引起观看者的审美体验。

2.色彩在平面设计的不可替代性

由于每种色彩都有其特定的含义和象征，代表着特定的情感表达和情感寄托。所以在平面设计的过程中，通过对色彩的借助表达出作品的设计理念和设计目的，唤起观者对其的审美联想[1]。在当前高速发展的信息化社会大背景下，为满足人们日益丰富的审美需求和心理感受，需要在设计作品的色彩运用过程中，使观看者得到美的体现和感受。因此，色彩美学的准确、合理使用，成为平面设计成功的关键所在。

色彩美学在平面设计中的作用

1.色彩美学在平面设计中的心理认知作用

颜色不仅仅是一种客观存在的自然事物，从色彩心理学的观点看：人们对色彩的心理感知效果，即就是对色彩本身所代表的含义的心理反映和感知。因此，作为色彩美学的重要一环和理论基础，就要求在色彩本身的含义和人们的审美效果之间，搭建起审美主体和审美客体之间的双向互动关系。因此，在平面设计的过程中，根据设计作品的主题要求，选择合适的主色调对设计主体加以表现和完善，这也是色彩美学在设计中的重要范畴。对色彩美学的心理认知作用主要体现在以下几个方面：颜色的存在状态，既是事实存在的自然现象，又是人们心理反应的具体表现。例如，在看到某种颜色时，会本能反应联想到自然界和生活的具体相关物件。看到红色，会想起红旗、鲜血；看到绿色，会想起小草、绿地；看到蓝色，会想起天空和海洋。更为重要的一点是，色彩还具有抽象的美学意义和表达。人们看到某些颜色，会联想到高贵、忧伤、黑暗等某种抽象概念，这也是平面设计中色彩美学的重要参考。

2.色彩美学在平面设计中的视觉语言作用

色彩美学作为审美表达主要工具，应该遵循色彩美学的基本原理进行整体的色彩构建和架构。在平面设计中，要合理使用对比、冷暖、粗细、明暗、主次等色彩美学的表达技巧，完善平面设计的美学表达，也是色彩语言创作的重要内涵之一。色彩的对比、粗细和冷暖调和的搭配，主次结构的调节，通过这些元素构建出明确的色彩语言结构和视觉表达效果。在平面设计中，根据色彩选择的平衡原则、色彩关系的搭配原则和色调的和谐原则，形成了具有视觉冲击力的表达效果。这也使得色彩语言在平面设计中的视觉语言作用不可替代。

3.色彩美学在平面设计中的视觉表达作用

用粗犷的图形化色彩在传递信息的过程中，可以起到增强、解释和定义主体的作用。对于平面设计作品来说，色彩的传输速度是其能否成功的关键所在。因此，在平面设计过程中，一定要遵循深刻的视觉表达内涵和突出的表达效果。这也对平面设计中色彩的把握能力也提出的更高的要求。在视觉传输中，充分利用色彩内涵、突出的视觉表达效果，要通过醒目、突出快速的色彩美学设计加以实现。因此在平面设计中，视觉表达效果尤为重要，可以通过色彩美学的强化，使得平面设计的效果事半功倍。

结束语

总而言之，色彩的合理搭配在吸引人们眼球的过程中，发挥了越来越重要的作用。通过色彩搭配，设计者向人们展示设计所要表达的内涵，也体现和表达了平面设计的美学艺术价值。因此，作为平面设计的工作者，应该充分认识到色彩美学在平面设计中的作用，将色彩美学的基本原理与平面设计的实践工作相结合。这要求设计人员必须了解色彩的构成、搭配和含义，把握设计的大方向，通过各方面的完美结合，设计出符合时展潮流、符合人们审美要求的优秀作品。使作品能被人们所接受，从而达到平面设计的目的。

参考文献

设计美学的含义篇6

关键词：简约主义理念中国传统文化朴素简约之美

20世纪90年代，简约主义在北欧的瑞典兴起，它凭借简单而实用的形式、天然绿色的材料，成为瑞典先锋设计的主流。然而令人惊讶的是，它近乎清心寡欲、朴素自然的风格，现在似乎已经成为一种标准和规范，不但融入了瑞典人的日常生活中，而且以一种从容不迫的速度向世界各地蔓延，深刻地影响了无数设计师、消费者和社会生活的方方面面。

简约主义理念，其本质意义是一种思想方法，即寻找事物的本质，就建筑设计和室内设计而言则是寻找和研究对象、材料、形式及空间的真正价值和本质。强调自由，让空间和形式摆脱那些阻碍人们真正欣赏它们的干扰来表现出它们的本来面貌；主张“少即是多”，珍视简朴这种道德和美学的法则，从而达到精神上的平和与卓越。

然而简洁明晰、纯净精致、实用而朴素无华的简约主义设计理念与中国“清水出芙蓉，天然去雕饰”所提倡的反对过多的雕饰和纹饰的简洁、纯朴的审美思想不谋而合。简约主义设计风格的看似简单随意的形式，却包容了饱满而丰富的内涵。北欧人臻于化境的沉默含蓄，与古老东方拈花不语的玄理禅境不谋而合，从简约主义艺术中，中国人突然发现了遥远却曾经熟悉的自己，它的简约凝练，至少在今天仍然是一股清新纯朴的气息。中国人主张“天人合一”，顺应自然，崇尚淡泊宁静、闲雅恬静的审美情趣。有着“尚清”“尚和”的审美追求，认为“朴素而天下莫能与之争美”。即所谓的“大音希声”“大象无形”“大巧若拙”，这与简约主义设计风格所蕴含的沉静、质朴的意境不谋而合。

一、儒家“文质彬彬”“绘事后素”的简约之美

中国的艺术和工艺设计以朴素为美的审美倾向，首先受儒家思想的影响。《论语·八佾》中记载相关的“绘事后素”，意为绘画先以素粉地为质，后施五彩，再以素色粉底以修正和定稿。据《考工记》记载：“凡画绘之事，后素功。”可知“素”（即着以素色，古代所谓“素色”就是纯净单一的颜色，“白则正白，黑则正黑”）是“功”（即完成作品）前的最后一道工序。着素之后，全部工艺也至此完成。既然任何精美绚丽的图案都要经过“素”的修整才能完成，可见“素”的重要和关键。原诗中还提到“素以为绚”就是以“素”为“绚”，它包含着用“素”代替“绚”，“素”胜于“绚”的思想。即在美学层次上重朴素而不重浮艳、重本质而不重形式、重功能而不重装饰。对现代的设计艺术和设计理念有着非常深远的影响。

另外，《论语·雍也》中还记有孔子的一段话：“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子。”这也是孔子关于美学原则一个著名的论断，他认为：“质胜文则野，文胜质则史”，其中“文”是指纹饰、装饰，“质”指本质、实用。他扬弃了“质胜文”和“文胜质”两种片面的倾向，认为“质胜文”会导致设计入“野”，粗陋丑恶，缺少文采和审美意境；而“文胜质”则会将设计带入“史”，华而不实、矫饰做作和繁冗奢靡。好的设计应当不偏不倚，“文”与“质”要和谐统一，相得益彰。在中国审美史上产生了巨大的影响。这一思想体现了中国的设计美学传统中强调实用，以用为本，这是以质朴为尊，以无装饰为贵，以质朴为雅，以华丽为俗的我国古代的审美思想。同时又注重本质，注重人性，尊重情感的精髓，同简约设计理念非常接近和相似。

二、道家“寂寞无为”“疏简素淡”的简约之美

道家哲学是中国人文艺术最重要的思想源泉之一。中国的视觉艺术与设计艺术的基本形态特征大致为：布局上求“疏简”、色彩上求“素淡”、技法上求“生拙”、表现上求“含蓄”、趣味上求“天然”等等，几乎都能从道家哲学中找到渊源。中国艺术的几个重要范畴：天真、自然、平淡、质朴等，也都是简约之美的具体表现。

中国艺术以“天真、自然”为美，主要是受到道家“贵真”的思想的影响。老子说：“信言不美，美言不信”，认为未经雕饰的朴素的语言才具有真美，才真实可信。因此，“清水出芙蓉，天然去雕饰”就成为中国艺术的最理想的目标了。这也是简约主义设计风格的追求和目标。

同时道家学说主张“天人合一”。“天”即是自然，自然是天地的本性，人应顺天而行，从而“清静无为”“返璞归真”。人和自然的关系不是对立的，而是亲密无间互通互融的。在中国的设计观中，好的设计应像自然一样生息自由、灵动变化而又朴素无华。设计和设计实践都应该“朴素而天下莫能与之争美”，即所谓“大音希声”“大象无形”“大巧若拙”。道家认为自然的一切是最和谐、最完善、最美的，人们只能去顺应它、“效法”它（“道法自然”）。“大巧若拙”就是“大巧因自然以成器，故拙也”。

道家贵真也贵淡。庄子说：“淡然无极而众美从之”（《庄子·刻意》）。平淡是美中之美，是大美。以绘画为例，水墨画以墨为彩，是通过墨色浓、淡、深、浅、干、湿的变化来表现丰富的光与色的韵律和画者的思想情感。以平淡、朴素、幽远而含蓄的方式表现一种高雅脱俗的情调。作画要求笔简意赅，要以最简练的笔墨塑造生动的形象，表现丰富的内容。形象简括，“空白”就多。在水墨画中，绝大部分不用色彩，只有纯一的墨色，极少用到其他颜色，若用到其他颜色也仅仅是一个点缀。庄子说：“能体纯素，谓之真人”，就包含了这个意思。这里的“纯素”决不是淡而无味，而是淡中有至味。我国古代江南民居的外观造型和色彩也非常简洁——白墙黑瓦。黑白分明，给人以宁静淡泊的惬意。简约高大的白色外墙上面，少有装饰，就是开窗也很小很小，灵巧而美观，与那些黑色屋脊门楼上方挑出的飞檐形成对比，显得沉稳而凝重、简洁而明朗。

“疏简”也是道家所倡导的一种审美意境。无论为诗、为画、为文，尚简的风尚我国古已有之，最早的渊源可以追溯至老子的“少则得，多则惑”。这与简约主义的先驱米斯·凡德罗的“少就是多”的思想有异曲同工之妙。道家的另一个重要代表——庄子，进一步发展了老子“自然无为的思想”，“法贵天真”“虚静恬然，寂寞无为”，强调对自然的尊重、崇高和效法。力主人们在自然、恬淡无为之中回归于自然的境界。道家思想跟简约主义重视环境、尊重自然，致力于可持续发展，重材质自然之美是有许多相同之处的。

三、墨家、法家“去饰至用”“尚质尚用”的简约之美

墨子思想是站在人民大众的立场，主张厉行简约、反对浪费、坚持“非乐”。墨家思想对美和艺术充满了实用主义和功能主义色彩，墨家“尚质”“尚用”，要求一切以功利、实用为标准。在文质关系方面，墨家也是以质为先，重质轻文，反对以文害质的。墨子站在小生产者的角度对当时繁缛华贵的艺术追求极为反感；对王公贵族崇尚绚丽、崇尚华采辞章、崇尚黄钟大吕的乐曲提出了严厉的批评，认为这些音乐艺术“上考之，不中圣王之事，下度之，不中万民之利”（《墨子·非乐下》），却造成了社会人力、财力、物力资源的巨大浪费，可谓百害而无一利。所以，墨子曰：“乐非也”。墨家主张一切艺术与设计要“尚质”“尚用”，要充分体现事物的本质美，要一切从实用出发，从功能出发，反对为装饰而装饰，对多余而无用的装饰深恶痛绝。这与阿道夫·卢斯的“装饰就是罪恶”的简约主义设计思想如出一辙。

四、文人艺术“平淡自然”“返璞归真”的简约之美

在中国传统社会中，文人是从事艺术活动的特殊主体，他们的艺术实践活动涉及面很广，几乎包括了古代艺术的各个门类，特别是在书法、绘画、音乐和文学方面取得了突出的成就。在艺术和工艺设计方面也产生了非常大的影响。历史上许多文人都是集文学家、科学家、设计家于一身，像徐霞客、沈括、李渔等人，除在文学方面有很深造诣以外，在设计和自然科学等方面也有很大的建树。由于文人特有的文化功能、人格特征、思想传统和艺术实践使得他们的艺术逐渐形成一种独特的艺术风格和审美倾向：以朴素为美，追求“平淡自然”的意境，“返璞归真”的生活态度，以及简洁实用的设计观念。

最高的美，真正的美应“敛其芳姿，止其铺丽，而葆其朴素平淡之纯真”。即简洁实用是其最高境界。王弼《周易注》云：“处饰之终,饰终反素。”说的就是这个道理：扬弃文人艺术中雕饰浮华的一面，渐渐达到了返璞归真，以质为美。李白所崇尚的“清水出芙蓉，天然去雕饰”不仅是他个人对特定的诗美的追求，更是整个唐代文人所普通追求的美学境界。宋代文人对朴素美思想的深化，正是对文人艺术中“平淡自然”“返璞归真”的特征的进一步强化。“天人合一”的思想在中国古代文化史上一直占有主导地位，同时也成为传统审美文化根深蒂固的思想与观念和无形的灵魂与精神。

总而言之，简约主义的设计理念，同中国传统的艺术设计观念，有许许多多相通的地方，这也是简约主义一经传入中国就迅速流行，并成为当今设计界的主流思想和风格的重要思想基础。

参考文献：

[1]孙媛媛.文人艺术朴素美的哲学渊源[j].南京：南京艺术学院学报，2004.2.

[2]王鲁民.中国古典建筑文化探源[m].上海：同济大学出版社，1997.

[3]郑榕玲.中国传统建筑艺术中的含蓄美[j].装饰.2003.11.