美术绘画技巧范例(12篇)
美术绘画技巧范文篇1
摘要:本文通过对儿童艺术特点的剖析,揭示西方现代主义绘画吸收和借鉴儿童艺术造型符号之后所形成的前所未有的率真、稚拙和清新的品质,并结合艺术家的具体作品分析进一步指出西方现代主义绘画在本质上有别于儿童稚拙艺术,张扬着独特的艺术个性,具有大巧若拙,拙中藏巧的艺术境界。
一、引言
人们过去并未意识到儿童随意而愉快的涂抹有什么特殊意义,更谈不上对儿童艺术的发现及关注,然而,随着人类艺术史上对儿童艺术的发现及现代艺术的产生,儿童艺术在当代艺术世界的位置正日益凸显。现在,“儿童艺术”已是被普遍接受的概念,儿童艺术中那种形象的简化、画面的和谐、富有表现力的线条、大胆的纯色平涂以及那种无意识的创作状态,使得西方现代艺术家怀着新奇的目光从儿童艺术中汲取营养。
二、西方现代主义艺术大师对儿童艺术的认识与评价
儿童的作品究竟有何魅力?为什么会吸引全世界艺术家的目光?在儿童艺术中,儿童常常以其天真率直的心态每每使我们拍手称快,是任何人为的方法都无法企及的。儿童艺术是无意识下创作的作品,是儿童心智和心绪的自然流露,往往呈现着艺术创作最初的也是最纯粹的源泉。其构图造型稚拙有趣,似无法之法,有意想不到的生动。正如黑格尔所说:“儿童是最美好的,一切个别特殊性在他们身上好像都还沉睡在未展开的幼芽里,还没有什么狭隘的东西在他们的胸中激动,在儿童还在变化的面貌上,还看不出承认繁复意图所造成的烦恼,因而在儿童绘画里表现出来的是他们对事物无意识的、天真率直的看法。”儿童艺术更具创造性和表现性,注重个人感受。儿童天性充满热情,能主动、自由地表现画面,儿童看世界有他们自己的独特眼光,他看起人来,只看到一个人的一个大头,头上的两只眼睛,一个鼻子,一张嘴巴,什么耳朵、头发、眉毛,他都没有看见,所以他不画一个人的身体,他看得不重要,只画一条线来表示。这些入眼的观察对象在儿童的心目中形象分外鲜明。儿童是画其所想而非画其所见,因此儿童画出的作品往往想象丰富,用色大胆,富有生气,有更多的灵性。西方现代派艺术中,反叛传统,追求单纯和质朴无华是其共同的目的和重要特征,因此,现代艺术家们不约而同地将目光投向了儿童艺术,而且给予儿童艺术以高度的评价,甚至对儿童的艺术状态和儿童的艺术作品崇拜不已。现代艺术大师毕加索曾说过:“我曾经能像拉斐尔那样作画,但我却花了毕生的时间去学会像儿童那样作画。”这在当时是很有代表性的。其实这种对儿童艺术的新的认识和评价在野兽派那里已有所表现。康定斯基崇拜儿童艺术是因为他认为儿童艺术是对事物内在本质的直觉表现,他说:“儿童除了描摹外观的能力之外,还有力量使永久的内在真理处在它最能有力地得以表现的形式中。……儿童有一种巨大的无意识力量,它在此表达自身,并且使儿童的作品达到与成人一样高(甚至更高)的水平。”画家马蒂斯、杜飞、夏加尔,尤其是克利、米罗和杜布菲等,同样感到了儿童艺术的魅力。西方艺术家所向往的那种无意识的创作状态、“信手涂抹”在儿童艺术那里得到了很好的诠释。
三、西方现代主义绘画对儿童艺术的借鉴与模仿
从19世纪后半叶起,西方画坛发生了重大变化,眼花缭乱的西方现代画派,既受到儿童绘画在艺术形式上以及表现技巧方面的启发,更受到儿童对待绘画的基本态度无意识的强烈冲击。对儿童艺术的推崇与模仿直接反映在他们作品的形式中。克利就一直崇拜儿童的这种天真状态,并以自己的方式加以模仿。克利在绘画技巧上使用儿童那种环绕的、粗陋的轮廓线,反应在作品《动物园》、《他喊叫,我们玩》和《女舞蹈家》中,这些画中线条技法与儿童素描的线条技巧很接近,尽管它更细窄,更优美。《高架桥的革命》画面上简单的甚至笨拙的高架桥,表现出了克利对儿童画天真稚拙的形象以及符号化形象的兴趣。在米罗的绘画世界中同样可以感受到这位大师对儿童艺术的推崇,在他1948年至1953年的许多绘画作品中,人物没有身体表现,头部直接安在以球形脚为末端的直腿上,整个脸像一个不规则的椭圆形或圆形,这种极端单纯化的形象的变体,也就是儿童画中的“蝌蚪人”样式,如作品《在甲壳下部》、《黎明时瞪羚的哭叫》和《绘画》以及早期最有名的作品《农场》都已呈现出一种儿童般稚拙的风格倾向。后来由于战争,米罗的作品表现出前所未有的恐怖之感,但画面依然保持他那种天真、优美的风格。如系列《星座》及《女诗人》都是在战争的威胁之下创作出来的,但我们从中看不到任何血腥的痕迹。无怪乎有批评家说:“米罗的天才是一种返老还童的天才。”涂鸦和儿童艺术也是杜布菲的范例和灵感来源,他特别赞同用最简单的正面和侧面形象及儿童的轮廓线风格画出大脑袋粗陋人物,也赞同儿童对记忆中传达信息的细节的强调,杜布菲甚至希望以更加粗蛮、直接和确定的方式抛弃“后天学到的手段”,去探讨一条回到“艺术基本的、形成的时期,记录下儿童式的天真与好奇状态的道路”。在他早期的作品中,如《街上的男人》画面中描绘的是巴黎的景色与生活,具有一种天真稚拙的趣味。此后,他很快摆脱了克利艺术中那种幻想、略显天真的气质,而转向一种独特的、奠定自己在艺术史上地位的绘画创作方法,创作出一些涂鸦形态的作品,如在《人间的联欢节上》,我们可以看到的一种以此法创作出来的令人厌恶和不安的欢乐氛围。
西方现代派艺术中的荒诞和随意性与儿童艺术中的荒诞和随意是一致的。“荒诞艺术比起优美、崇高的艺术更加深刻地表现了人之所以为人的内在生命力。”这是西方现代画派对怪诞艺术的看法和推崇。现代派大师马蒂斯、毕加索等人就从古代非洲的绘画和雕塑中吸取怪异而又荒诞的特点,在我们的眼中极不符合常规,但这与儿童美术中的无意识荒诞的想法极为相似。西方现代主义绘画对儿童艺术的接受主要表现在欣赏他们的天然和单纯,使得他们的作品具有稚拙的面貌,法国评论家在观看他们的画展时,曾称这些颜色不符合“客观实际”,艺术形象难以理解。虽说在现在看来有点言过其实,然而的确在马蒂斯等人的作品中反映出画家进一步转向表现内心情感,这也是近现代以来西方绘画逐渐摆脱传统上摹写现实的主流画法的新的一步,在野兽派绘画中,马蒂斯等画家的一些人物画有一个特点,人物的形象往往有弯曲的形态和封闭的轮廓线。如马蒂斯的《浴者》和《海滨妇女》,这些作品使人想起儿童艺术的某些特点,人物的形象看起来“不准确”。上述这些对儿童艺术语言的模仿甚至直接挪用只是一个方面,更重要的是现代艺术家们从儿童那里重新获得天真、纯朴和清新的内在品质。
四、现代主义绘画大巧若拙
现代主义绘画在许多方面更借鉴儿童艺术,但他们的目的并非简单地重创儿童绘画,在技巧、表现形式上与儿童绘画有很大差别。儿童绘画是在生命之初对世界的探索尝试,表达的是整个生命尚未展开的天性。而大师的绘画则是在生命成熟阶段对探索世界的提炼总结,表达出整个生命发展过程凝结出来的人格特征和艺术个性。所以,儿童画一张张来看,大不相同,而大面积看起来,其面貌给人的感觉大同小异。大师绘画则不同,都具有独一无二性。克利、米罗和杜布菲等现代画家在对儿童艺术的借鉴中充分展示了各自的艺术个性,他们使用儿童的符号和技法也并非偶然,而是他们比其他艺术家更需要这种敏锐的感觉力,带着激情去感受儿童的绘画世界。他们的绘画有着精致的层次和精湛的技巧,虽然绘画的最终效果有着明显的随意性,但与儿童天真的艺术并未完全融合,保持着各自的独立性,又相得益彰。儿童的绘画作品是“原始”形态的、天真纯朴的,而又往往以“稚拙”的样式表现出来。这在儿童是很可贵的,也是许多中外画家所追求的艺术境界。那么艺术家追求的天真纯朴和稚拙与儿童绘画所表现出的天真纯朴和稚拙是否如出一辙呢?这对于我们更深一步了解儿童艺术是至关重要的。审美创造一般都是由拙到巧、再由巧返拙的阶段。开始之拙,是生疏幼稚的真拙,随着审美创造技巧的提高,进入精巧工巧阶段,有了丰富的经验、功夫、素养,才能落尽繁华归于朴淡,进入大巧若拙的境界。没有深厚的功底,片面为拙而拙,只会粗陋低俗。戴复古说:“朴拙唯宜怕近村。”(《论诗十绝》)即使是巧后之拙,如果刻意追求拙的外在形式,则是一种造作,失去其真正的天然本质。拙朴绝非粗率平庸之辈所能达到的,它是审美创造高度成熟的标志。追求儿童趣味的艺术家在某些方面与儿童绘画较为相似,例如:以线为主,平涂色彩,不讲焦点透视及夸张变形手法等等。但儿童艺术中的那种天真稚拙的情趣被艺术家们加以发挥、拓展,成为崭新的艺术形式。虽然他们画中的“拙”与儿童绘画中的“拙”有着形式上的相似,但却又有着本质的区别:他们是老子所说的“大巧若拙”之“拙”。写意大师崔子范也曾说:“一个没有受过专业训练的孩子只凭热情作画。在他长大之后,也应该注意使自己回到童年的心态,去重新发掘自己儿时的天性——自由地而不是造作地在画中表现自己的感情。当一个成熟的画家运用这种方式作画时,当他将艺术大师的精湛技巧与孩子般的天真烂漫融合在一起时,会感到极大的快慰。”虽然西方的克利、米罗和杜布菲等画家的作品源于儿童绘画的造型符号,但他们靠熟练精深的技巧来完成。大体上都经历了由开始的不成熟,到技法日趋精深,进而追求“返璞归真”的过程。虽然也有追求儿童“拙味”的画家未经过专门的训练,但他们也难免经受艺术传统的熏陶,前辈及同代画家的影响与个人技巧的锤炼。克利虽曾说:“无需什么技巧”,但他毕竟经过了传统艺术熏陶,其艺术风格必有传统技巧的痕迹。可见儿童的稚拙是幼稚的拙,而画家的稚拙是“拙中藏巧”之拙。“拙朴最难,拙近天真,朴近自然,能拙朴则浑厚不流为滞腻。”拙朴之拙,是大巧,不露痕迹,使人不觉其巧。它是“外枯而中膏,似淡而实浓”(《东坡题跋》),在平实朴素粗散的形式中,蕴含着深厚的审美素养和丰富的情感意味。没有一定技巧的锤炼,一味片面追求儿童“拙味”,只会流于粗俗浅薄,达不到自然浑化的拙朴之境。
五、结语
总之,现代艺术家们从儿童艺术中获取到了造型符号的灵感,同时也通过自己的作品和言论促成了人们对儿童艺术的进一步关注、承认和了解。在现代艺术中,传统的审美标准首先被打破,几乎没有什么尺度可以将儿童艺术与大师的作品相区别。当然,西方现代主义艺术家的作品与儿童的绘画作品之间的相仿程度,也不能真正完全划上等号,这些现代艺术大师的绘画毕竟是落尽繁华归于朴淡,大巧若拙,拙中藏巧。
参考文献:
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[2]阿恩海姆.艺术与视知觉[M].成都:四川人民出版社,1998.
美术绘画技巧范文篇2
由于多元化的信息膨胀和市场竞争的日益激烈，充斥眼前的部分平面广告呈现出缺乏创意、缺少艺术性美感、制作低劣等问题，影响着平面广告传播信息的效果和大众的视觉感受，形成一种广告资源的巨大浪费，影响广告行业的持续健康发展。而随着3D绘画艺术在我国的兴起和发展，其大大受欢迎的程度决定着这种艺术可以成为一种有价值的传播媒介，将平面广告设计与3D绘画艺术相结合既可以提升平面广告的艺术性，又可以增加平面广告的创意。因此，利用3D绘画艺术的媒介来传播平面广告是一种科学的选择。文章探讨了二者结合的条件、方式、意义。
关键词：
平面广告设计；3D绘画艺术
一、引言
包豪斯提倡艺术与技术的结合，可见设计与绘画艺术的紧密联系。除了使用文字，绘画是广告设计表现的重要形式，平面广告设计是利用绘画艺术的表现方式来传递信息而达到特定的商业或公益目的。3D绘画艺术，也称3D魔幻艺术、3D立体画艺术、3D错觉艺术，是一种创作在公共空间和公共场地的绘画，它利用画面的明暗阴影效果和焦点透视，巧妙结合公共空间而产生三维错觉效果，达到三维立体的空间体验。自3D绘画艺术传入我国起，在我国发展迅速，受到了极大的欢迎。3D绘画艺术具有强大的娱乐性、互动性、公共性、创新性、艺术性等特点，而这些特点正是当前中国平面广告设计所欠缺的，因此，将平面广告设计结合3D绘画艺术是提升平面广告设计效益，促进我国平面广告设计健康发展有效手段之一。
二、平面广告设计与3D绘画艺术结合的条件
1）平面广告设计与3D绘画艺术结合的可能性。前面提到，设计离不开绘画，绘画是设计的重要表现手段，3D绘画艺术是一种特殊的绘画艺术，是一种创作在公共空间的大型绘画艺术，因此，它可以成为平面广告设计表现的手段和方式。
2）平面广告设计与3D绘画艺术的共同点。首先，平面广告设计是通过绘画和文字的手段而实现特定的实用目的，它的画面包含绘画艺术的表现；3D绘画艺术是一种通过公共空间的绘画给大众带来乐趣的表现艺术，二者都包含绘画艺术的表现，这是共同点之一。其次，平面广告设计面对的是广大的消费者，因此它具有强大的公共性和大众性；而3D绘画艺术也是提供给广大的民众娱乐和休闲，是制作在公共空间的绘画艺术，其公共性和大众性也是显而易见的，这是共同点之一。再次，创意是广告的灵魂，平面广告设计和创意紧密联系；3D绘画艺术也是通过在公共空间巧妙创意的绘画才会产生神奇魔幻的3D绘画场景，因此，创意是沟通二者的共同点之一。最后，没有创造出美的平面广告是没有吸引力的广告，而美也是3D绘画艺术的重要追求，二者都具有艺术性美感，是共同点之一。除了以上共同点以外，还有其他的共同点，比如娱乐性、教育性、传播性等。这些共同点紧密联系二者，证明二者的结合是可行的、合理的、科学的。
3）平面广告设计与3D绘画艺术结合的实现条件。创作3D绘画广告的技巧和创作3D绘画的技巧是一样的，只是绘画内容和绘画目的发生了变化，绘画内容是平面广告传达的具体内容，绘画目的也很明显，不再只是单纯美观和娱乐动机，绘画目的是具体的商业和公益目的。因此，二者的结合需要平面广告设计团队和3D绘画艺术家团队的共同努力与合作。
三、平面广告设计与3D绘画艺术结合的方式
1、平面广告到立体广告的转变
将平面的广告变成有三维效果的3D绘画广告，立体空间感的把握是关键的。平面广告设计其实是在平面上表现的空间设计，它本身就存在着立体的空间，比如前实后虚、近大远小的空间对比和明暗光影的空间效果。将平面广告转变成3D绘画广告，需要将平面广告的画面搬到人流丰富的公共空间和场所，具体指公共场所的建筑、地面、墙体等，而三维空间效果的把握主要依靠加强广告画面的明暗对比、色彩对比、透视对比。
2、主题的把握
平面广告设计具有明确的广告主题和表达内容，实用性目的很明确，3D绘画艺术更注重视觉效果的把握，它的主题内容不是主要的，绘画技巧显得更重要。因此，平面广告设计与3D绘画艺术的结合就是用3D绘画技巧来表达平面广告的主题内容，明确的主题加上三维空间效果的广告画面立即将平面广告变成活生生的立体广告，在大众体会神奇魔幻3D绘画艺术的同时收获了画面带来的广告主题思想。
3、文字的增加
平面广告设计的画面主要由绘画和文字组成，而3D绘画艺术是单纯的绘画，没有文字，因此，在二者结合的时候，可以加上立体效果的文字，可以点明广告的主题，一目了然，这样有利于广告内容的传播，增强广告的效果。
4、互动性的创造
再有创意再绚丽的平面广告设计也没有3D绘画艺术的互动性优势，创作在公共空间的3D绘画艺术有亲近大众得天独厚的的条件，加上它的画面与公共空间的巧妙结合，创造出适合和大众进行良好互动的绘画场景，既给人们带来刺激和娱乐，又拉近了与大众生活的距离。平面广告和3D绘画的结合使平面广告变成具有互动性的广告，拉近了与消费者的距离，使广告传播变得更加容易和充满乐趣，使大众接受广告信息由被动变主动。
5、创意的结合
创意的结合是指二者内容创意的结合。广告内容的创意是决定广告胜败的关键，3D绘画内容的创意也决定着它的成败，二者的创意都不能缺少。创意的结合又是一个新的创意的创造，例如，平面广告中的绘画背景可以和真实的类似公共空间替换，广告中的人物可以留空让真实的人去补充画面等都是二者创意结合的例子。
四、平面广告设计与3D绘画艺术结合的意义
平面广告设计与3D绘画艺术结合的意义是多方面的，主要包括以下几个方面：第一，增加了平面广告的艺术性，广告画面完全由艺术家创作而成，3D绘画艺术所带来的浓浓的艺术气息是显而易见的；第二，增加了平面广告的互动性，互动性的增加是前所未有的，它能吸引消费者的注意力，拉近与大众的距离，使广告的传播变得更便利；第三，增加了平面广告的娱乐性，互动性的增加同时带来娱乐的功能，使以往静止的平面广告变得更加有趣，使消费者更乐于去接受广告的信息；第四，美化了城市环境，公共空间的3D绘画广告不仅增加了广告的艺术性，同时也给城市的公共环境增加了不少的艺术气息，一定程度的美化了公共环境；第五，增加了平面广告的创意，两种艺术创意的结合必然使人脑洞大开，给人带来无限惊喜。
作者：文明洁刘雪梅单位：中南大学建筑与艺术学院
参考文献
[1]清华大学美术学院何洁.广告与视觉传达[M].中国轻工业出版社,2003,2
[2]王受之.世界现代设计史[M].中国青年出版社,2004.
[3]符腾解析当前3D绘画[J].现代装饰（理论）
美术绘画技巧范文篇3
多元文化的学习意义，在于融合各种文化和其他学科的知识，来拓展美术教育的文化性质，开阔学生的视野，构建学生广博的知识面，为学生提供更广泛的文化知识素材和时空，为学生创造能力的发展构建一个必要的基础。在当下研究和尝试如何利用多元文化来提高学生的艺术素养在教学改革中有着现实意义。
（一）根据美术教育专业的特点进行多元文化教育
课题组成员将根据初等美术教育专业的实际情况，继续深入研究美术师范专业的特点，进一步调整课程体系，强调美术学科知识面广、综合性强等特点，把美术学习从单纯的技能技巧的学习提高到美术文化学习的层面，可以使学生全面地了解美术与人类、美术与生活、美术与政治、美术与历史等多方面的联系，从而能更好地学习美术，提高学生对美术审美能力，美术鉴赏能力和美术的艺术创造能力。
（二）掌握多种绘画技巧，注重学科之间的相互融合，培养学生对艺术的综合创造能力
在教学中让学生了解掌握中国画和西洋画差异，中国画是用线描和色彩来描绘物体的精神面貌，西洋画是用西洋的素描和色彩关系来塑造，通过多年的文化领域的探索发展，把中国画和西洋画都作了融合，通过中西画的技术的融合相互借鉴，中国画和西洋画都得到了提高。所以学生不能单纯的掌握一种绘画技巧，要掌握各种绘画技巧，跨越这些界线进行综合融合不同画种、技术、创造出新的艺术形象。
二、相关概念
“多元文化”是当代世界发展过程中的文化现象，指的是东方文化与西方文化，传统文化与现代文化、主流文化与非主流文化、精英文化与大众之化等存在一定冲突的文化所构成的一个多元系统。“艺术素养”是指人所具备的审美能力和审美理想的总和。审美素养即体现为对美的接收和欣赏能力，又转化为对文化的鉴别能力和创造能力。
三、实施过程
（一）研究对象
以我校美术系美术师范专业的学生作为此次项目研究的对象。
（二）研究方法
1.课题组成员要搜集有关资料，了解国内外有关多元文化与素质教育已有的研究成果，作为课题研究的借鉴。2.调查跟踪了解学生的各科学习状况，各种绘画技能的提高，建立学生档案，逐一进行分析找出差距总结经验。并针对存在的问题进行反思，总结经验和方法。
（三）教学方法
1.提高对东方美术和西方美术的认识能力，了解中国画与西洋画之间的差异。在锦州师专的美术系教学中，根据美术师范专业综合性强、知识面广等特点进行教学，旨在培养掌握中国画、油画、工艺美术等多种绘画技能和艺术史等理论知识的美术师范专业人才。在教学中采用绘画示范、多媒体直观教学等手段让学生了解中国画和西洋画的表现方法，了解中国画与西洋画之间的差异，提高对东方美术和西方美术的认识能力。了解中华民族的宝贵遗产中国画和欧洲西洋绘画，由于历史渊源、地域、民族差异等诸多因素的影响，这两种绘画之间存在很大的差异。诸如：在美感追求上；在物体形象的塑造上；在绘画色彩的表现上；在透视学和解剖学的应用上；应该认识到采用的工具材料在东西方画种之间的差别。在彻底了解他们之间的差异后，才能把他们相互融合借鉴在一起，使绘画技巧得到提高。在教学中注重教学双边关系，通过师生互动，启发调动学生学习绘画的积极性，让学生主动参与课堂教学，进行探索性的课堂活动，才能提高了学生的思维能力和表达能力，避免了陈旧的教学方法。2.重视中外美术史理论的学习，提高学生的艺术修养学习中外美术史以及与美术史相关的其他多元文化知识，比如：文学、历史、地理、宗教、民俗、政治等等，让学生全面了解美术与社会多元文化的相互关系。使学生在广泛的人文背景中深入解读美术作品的内涵，提高学生的审美能力和鉴赏能力。尤其对于达芬奇《最后的晚餐》和徐悲鸿《田横五百士》等这类经典作品，学生如果不了解其历史文化背景，就很难理解作品所表达的思想主题和艺术特点。在教学中，采用课前让学生翻阅相关资料、课上分组讨论等形式，培养学生自学能力，让学生能够在浓厚的学习气氛中得到提高。3.跨越学科的界限，把音乐、诗歌等多元文化融合在各种类型的绘画中。在绘画创作教学可以把音乐、诗歌作为命题画，例如以杜牧的《清明》一诗为例，用“借问酒家何处有，牧童遥指杏花村”为题，让学生发挥想象进行绘画创作，从而提高学生的形象思维能力和创造力。4.积极展出学生美术作业，观摩中外美术作品，有助于提高学生美术成绩和欣赏评价艺术作品的能力。选取学生课内外创作的优秀作品，在学校门厅、走廊、教室等场所经常展出举办美术课堂作业展、美术创作和临摹展。展览的作业包括油画、国画、工艺美术等多种形式。5.在美术教学多元化的实施过程中，突破实践和空间的限制，弥补课堂教学的不足。课堂教学的时间是有限的，在课堂之余充分利用学校和地区优越的文化环境、社会资源组织学生参观博物馆、美术馆等文化场所，利用图书馆、网络、书籍、媒体、专题讲座等途径、拓宽了学生的视野，提高了学生的综合学习能力。
四、实施效果
美术绘画技巧范文
要：儿童绘画让我们从中发现了一个美妙的世界。我们应该始终以欣赏的目光注视着孩子，用积极的态度激励孩子。正确欣赏、评价儿童绘画，对孩子绘画的发展将会有很大的推动作用。儿童美术作品的表现应该是与儿童的年龄相适应的，是幼儿想象力创造力的充分体现。一幅好的美术作品能够真实地反映出儿童已有的生活经验、绘画技法和技巧。适合的绘画工具、美术材料的正确使用能够为美术作品添资添彩。
关键词：儿童；美术作品；欣赏；评价
中图分类号：G610
文献标识码：A
文章编号：1002-7661（2013）01-283-01
创造是人类的本能，是人类的希望，它促进了人类本身的进步，让孩子充满智慧的心灵再造一个美好的世界，用美的原则再造一个新的时空，艺术不仅反映了眼中的世界，更重要的是反映了心中的世界。儿童无拘无束，幼稚天真，自由浪漫，奇思妙想是儿童最美妙的境界内，儿童作品之所以成功就在于他们的可爱和可贵之处。
在教学中，如何欣赏、评价儿童美术作品，是我们应该加以重视的问题。要想正确客观的评价、欣赏儿童美术作品首先应该了解、理解儿童生长发育的各个方面特点。不要用成人的审美观来要求儿童，以成人的标准评价儿童的美术作品，要站在孩子的立场来看待儿童美术作品。其次成人要站在孩子的视角，用正确的态度去评价，这样会对孩子的美术发展起到推动的作用。如果评价不够客观，可能会打击、影响甚至于挫伤儿童绘画的积极性。那么怎样才能客观正确的评价儿童美术作品呢？下面我从已下几方面来谈谈：
一、绘画作品是否能够真实地反映儿童的生活经验
儿童也有自己的生活经验，他们从生活、学习、游戏中感知世界，他们用自己特有的符号方式记录着自己的感受。教学中有很多儿童美术作品内容空泛，形象概念、构思和表现内容相同。比如：画“快乐的节日”就一定会画唱歌跳舞，画天空就一定会有云朵、小鸟、太阳等等。绘画作品中表现的内容应该体现儿童对生活的认识和感受，体现儿童自己的态度和情感。儿童在绘画构图时教师要及时提示儿童描绘自己的生活，画自己熟知的事物，表达自己内心的情感，通过绘画活动逐渐养成观察生活的好习惯，同时也能使绘画内容更加充实、饱满。
二、美术作品表现力与儿童年龄是否相符
儿童绘画的发展就是自身的整体发展。美术作品中所表达的内容应该是符合儿童年龄特点的，是儿童对生活、学习、游戏的体现。在儿童美术作品中，不同年龄的儿童，绘画作品所表现出的水平也不同。儿童绘画的水平并不是能临摹出成人绘画形象就是绘画水平高。因为绘画水平的高低标准并不完全是看谁临摹的像，儿童一味临摹成人的范画，将有碍于儿童独立观察、独立思考的发展。从儿童绘画作品中可以观察到儿童的洞察力、想象力、概括能力、归纳能力、分析能力等等能力的强弱。儿童绘画水平的提高不单指绘画技巧的提高，如果整体能力没有提高，技巧的学习也是会受到限制，特别是创作水平是难以提高的。
三、绘画材料和绘画技法、技巧运用是否得当
绘画作品的构成因素有很多，绘画材料、技法、技巧学习对于完成作品也是很重要的。想象力、创造力再强，没有技法、技巧的运用能力，也是很难画出好作品的。不同的绘画内容要根据需要应用不同的绘画技法和技巧、选择不同的绘画材料，才能更好地表达作者的意图，达到内容和形式的统一，取得画龙点睛的绘画效果。
四、绘画作品中是否有美感效果体现
儿童画出的线条、色彩、形象有着自己的特点。对于绘画的效果也有着自己的审美态度。不同的儿童画，画面的形式语言是不同的，每幅作品都有独特的视觉效果。一幅作品的美感表现可以通过在绘画中表现出来的审美规律而表现出不同的的差异。评价儿童绘画作品时要从儿童的角度出发，以儿童的视角观察美术作品中的亮点。
五、作品是否有明确的主题或情节
儿童在绘画的时候身心很投入，她们不断地去描绘自己的内心世界，绘画活动也成为体现儿童心灵的一面镜子，所以有很多的儿童绘画作品表现的内容是具有一定的主题和情节的。绘画有主题或情节的作品，就需要有较强的想象力、形象再现能力、思维能力和对生活的观察力。这样的一幅绘画作品在绘画过程中能使儿童在情感、智力、心理、态度等多方面得到锻炼。是基于简单绘画之上的一种较高绘画水平的一种表现。
六、作品是否具有个性特点及丰富的想象力、创造力
儿童的绘画作品应该有自己的特点，作品是不是经过独立思考来完成，是否表现出新的创意、是否用自己独特的绘画语言表达自己的思想、自己的感受。想象力的培养是儿童绘画学习过程中的重要组成部分，绘画作品中创造力的体现也是评价儿童绘画的一个重要方面，儿童可以通过这种绘画活动锻炼和发挥自己的想象力，绘画活动学习的过程是儿童素质培养的一种有效的手段，可以有效地促进儿童的智力发育。
美术绘画技巧范文篇5
【关键词】绘画语言；语言形态；水彩；技巧
【中图分类号】J2【文献标识码】A
【文章编号】1007-4309（2013）03-0151-1.5
所谓绘画语言，是创作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的的运用材料为物质载体，以视觉信号为媒介，通过造型手段和创作形式产生视觉体验的表达方式。绘画语言是作品中所有的因素之间相互作用而产生出来的。绘画语言的不同运用产生出的绘画作品也不同。它的表现方法归纳起来基本上有三种：写实、夸张、象征，这三种表现方法各具特色，运用得当有助于我们塑造更具表现力的艺术形象。
一、绘画语言在艺术创作中的重要性
绘画是一种艺术实践活动，运用线条、色彩、造型、构图依据一定的形式法则进行搭配完成传达精神内涵。完成绘画作品不仅有形式的作用还有内容的体现和精神的传达。绘画语言实际上是技巧、形式和内容的有机融和相互制约有机整体，画家的感情是靠其特有的绘画语言表达。这种语言的运用，是根据画家自身的艺术表现力体现的。不同的艺术家对其有着不同的运用，纵观世界的艺术历程，我们可以了解到其中的差异。在欧洲，从达芬奇时期就形成了一种传统的写实主义画法，通过对“光线揭示形式”的研究、直线透视方法、人体解剖的研究，艺术家们给他们的作品汇入了一种全新的现实主义感。作品画风典雅、和谐、弘扬人文主义形成了古典主义画风。而印象派画家们利用光与色描绘自然、抒发自己的感情，他们描绘瞬息万变的光色变化，运用色彩合理组合使画面明快绚丽，他们的作品诠释了光与色并给作品注入了情感。在西方造型过程中，主要使用形体与色彩语言，即使没有线其造型也不会受到重大影响，其绘画形态的构架依然成立。无论何类画家，他们都是借助其独特的语言形式来完成作品的情感体现，在绘画中，艺术家们总是在寻求绘画观念和语言上的转型，形成有个性的绘画语言。除了视觉因素外绘画语言也是一种精神产物，在绘画本身也传达了一种理念，绘画语言不应只是停留在技巧和形式的探索中而应是将技巧、知识、直觉、感情与材料融合为一体。艺术家如果能从不同的题材、角度、工具、方式中不断丰富艺术的绘画语言，那人类的绘画艺术必将是辉煌灿烂的。
二、绘画语言在水彩创作中的具体表现
在各个画派的艺术作品中绘画语言是相通的。水彩从欧洲传入中国以后，经过了百年的发展，在不断发展和深化的过程中，将固有的西方技法与东方的绘画观念有机的结合，形成了既写实又有意象观念的独特的中国水彩绘画语言。水彩的绘画语言是水与色的结合，产生水色交融、明快淡雅，水的流动性和色的透明性构成了水彩画别具一格的意蕴，这是它有别于其他画种的最独特的方面亦构成了水彩艺术语言的独特性。
中国美术家协会水彩艺委会主任黄铁山先生2002年4月22日在西安美术学院作学术报告时指出：“水彩画一旦失去了自身的语言和面貌，就失去了存在的价值。”感性把我们带进一个完全自我的空间，让我们无拘无束。而理性使一切都成为了怀疑的对象，甚至连理性本身也受到了质疑。我们既要突破水彩画旧有的模式，又要保持水彩画独特艺术特性，如果一个画者没有自己的绘画语言，就不能被“称为”一个艺术家，最多称其为一个画画的人，他的作品也就不能称为艺术品。水彩画的发展要坚持水彩画的本体特征和绘画语言，强化水彩语言的纯洁性，只有这样水彩画才能取得与其他画种比肩而立的地位。通过学习水彩实践者应衔接自身的抽象思维特点突破水彩表现局限，探索水彩画的表现实质对水彩绘画语言的深层次挖掘，打破水彩语言的现有局面，阐述水彩表现中的更多可能性。
三、如何培养绘画语言
一个画家如果不能真正的把握自己作品里的绘画语言就不能成为一个好的画家，一件艺术作品如果没有自身的艺术语言也就不能成为一件好的艺术作品。绘画语言是人类表达审美情感的一种工具，是画家进行形象思维并转化为物质形式的手段，如果想培养出适合艺术家自己的绘画语言，那么就应在平常中多加实践。
对绘画工具、材料的掌握是培养绘画语言的前提。绘画语言是技巧、形式和内容的有机融合，一幅成功的艺术品它的绘画语言往往是艺术家通过题材、内容、技法、材料等绘画因素体现出来的。其中，对绘画工具材料的掌握是重要的一方面，像油画、水彩、国画、雕塑等画种的区分往往很大程度上因为材料、工具在不同的画纸上所呈现的效果的不同。除了材料的不同外，对材料的使用技法也是体现绘画语言的一种方式。雕塑所能表达的内容，用油画不一定合适，油画所能表达的题材，国画不一定能胜任的了。所以说对绘画工具材料的掌握是培养绘画语言的前提，工具材料的这种形式因素是画家独特绘画语言在艺术技巧方面的主要表现。
艺术技能和艺术修养的提高是绘画语言形成的基础。绘画语言的形成应该具备扎实的实践能力即对材料的运用能力以及对艺术风格流派的认知能力，艺术实践者在形成自己的绘画语言之前，必须提高艺术技能和艺术修养。绘画技能的提高主要是通过写生训练。在艺术实践中，实践者通过对写生的正确观察可以培养自己对不同光源下事物的变化。在培养绘画语言的过程中，要加强自身的艺术修养。这是一个长期修炼完善的过程，所以在实践中应多加阅读书籍和艺术作品，了解美术历史进程、不同画派特点从而提升自身对艺术的感悟力和创造力。
多样化的绘画语言培养。多样化绘画语言的培养，主要是围绕思维能力和创新能力的培养。要对不同风格的流派、不同材料技法进行探索，同时要丰富自身视野、拓展艺术思维和艺术创作灵感，为自身的绘画语言创造一个宽松的环境，从而形成多样化的艺术思维，进而找到适合自己的绘画语言。比如刘寿祥和陈朝生都是静物画家，陈朝生就讲究构成、色彩浑厚、造型古朴典雅，而刘寿祥讲究色彩清晰透明、造型严谨。抽象性培养，通过大量取舍，高度概括、提炼艺术形态，抽象美存在于一切艺术中，它并不依赖于人们的意思对客观存在进行本质认识，而是对自然物象的特征进行提炼、概括、重构的结果，是艺术家的心灵抽象。实践者应发挥人的主观创造能力，在抽象中探寻自己的的绘画语言。绘画语言的培养应因人而异，根据自身特点，发挥自身特长，从而形成绘画语言的多样化。
【参考文献】
美术绘画技巧范文篇6
关键词：涵义；作用；类型；使用
在现今的美术课堂教学中，由于多媒体课件越来越多的运用，几乎替代了所有本属于教师示范的教学活动，因此让不少教师忽略了范画的真正作用，甚至曲解了范画的涵义。那么范画的涵义究竟是什么呢？首先我们要知道美术教学本身就是一种直观的形象教学。而范画恰恰就是用直观地形象教学将绘画的知识、技能有序完整地展示给学生的教学方法。
1范画教学在美术教学中发挥着重要的作用
1.1运用范画能增强学生对美术学习的自信心，激发其对美术学习的兴趣
美术教学虽然是一种直观的形象教学，但有些专业的概念、术语以及一些技巧技法还是比较抽象，加大了学习难度，对于学生而言仅仅靠教师的语言讲解是无法理解和掌握的，从而会出现畏难情绪，失去了应有的学习兴趣。此时教师如果加以适当的范画演示或欣赏，将枯燥的语言转换成一幅幅生动有趣的画面，如此，必使他们产生强烈的求知欲望和创新欲望，而且增强了学习美术的自信心，也激活了美术课的运转机制，为美术课堂教学的顺利进行创造了良好的氛围。
1.2通过范画欣赏可以提升学生的审美能力
现在很多美术教材书上的一些中外名画和优秀的绘画作品，因为受到篇幅或者印刷技术的影响，很多地方都不够清晰，进而影响到学生对这些名画和优秀作品的欣赏和学习，阻碍了学生审美能力的提高。此时就需要教师利用范画的形式放大这些名画和优秀作品，在教学过程中或悬挂或用多媒体展示给学生，让学生们能清晰的看到作品，认真的去品味，加上教师形象生动的语言讲解，教学效果往往会得到很大的提升，让学生真真切切的感受美的存在。
1.3运用范画能更好地将美术绘画的技能技巧传输给学生，提高课堂的教学效率
在美术教学中，美术绘画技能技巧的训练是一个很重要的环节。而美术的技能技巧中有很多的专业术语和方法，如果光靠教师口头上的讲解很多学生是难以理解的，范画的运用恰恰能解决这一难题。教师通过多种形式的范画，让学生直观的去感受一些技能技巧的方法，不仅能让学生理解到位，而且更是能大大节省时间，提高效率，确保教学质量。
1.4通过范画去有效地激发学生的创造性思维，培养其创造能力
美术教学最大的特点就是在于创造性，现今的教学形式也是在不断的提倡要激发学生的创造性思维，培养创造能力。因而很多教师会误认为范画的运用会抑制学生的创造性思维，其实不然。只要能合理有效的运用好范画不仅可以有效的拓展学生的思维，而且这也是挖掘学生聪明才智的有效途径之一。
2在美术课堂教学中常用的范画类型
2.1步骤范画
教师在课前做好准备，把作画的方法步骤范画放大绘制好，讲课时依次张挂，边挂边讲，既直观又简练，可起到事半功倍的效果。使接受、理解能力较弱的学生也能有所收获，在自己原有的基础上得到进步。
2.2启示范画
启示范画是启发和引导学生的思路，有效地进行创作绘画的一种类型。教学中不仅要选择一些优秀的作品进行启发引导，而且教师最好能结合自己的创作实践，设计范画，将创作的体验、构思的方法、制作的过程及技法详细讲授给学生，引导学生由此及彼、触类旁通、举一反三，扩散成新的思维，让学生逐步学会创作和设计的方法。同时由于教师的以身示范，容易引发学生的感情共鸣，营造良好的课堂气氛和师生关系，对有效地组织教学起着不可忽视的作用。
2.3对比范画
它主要解决绘画技术上正确与错误的问题，帮助学生分析、辨别作业中的正确与错误。
2.4课堂范画
这是最直接、最具体、最直观的教学方法。尽管教师在课前准备了充分的范画，但还是很难满足课堂教学的所有需要。一些具体的绘画技巧和方法都需要教师亲自动笔才可以起到示范指导的作用。学生亲眼看到作画的全过程，才能真正领会，掌握相应的技巧。
3范画在美术教学中的使用
了解了范画的涵义，知道了范画的重要性以及范画的类型，那么如何能有效合理的去使用范画呢？尤其是在职教的美术基础教学当中更加体现出了范画的重要性。对于很多职教的学生来说专业的选择性没有像大学里的那样很有针对性，有些选择了美术或者有相关美术专业的学生并没有系统的学习过美术，因此在学习的过程中难度是相当大的，很多专业方面的知识是学生比较难以理解的，那么这时范画就起到了很大的作用。如何在职教美术基础教学中使用好教学范画就成了我们教师必须要思考的问题。
美术绘画技巧范文1篇7
语言是人们用来表达情感，交流思想的一种方式。绘画是一种视觉语言，通过画面我们能够感受到画家的思想和情感。一个画家如果不能真正对自己绘画作品里的语言进行很好的锤炼，那他就不可能成为一个优秀的画家。当代插画艺术受社会意识和创作手段的影响，被广泛地应用于广告宣传、包装设计、杂志书籍等领域，它把绘画和设计巧妙地融合在一起，结合当代艺术和科学技术，运用时尚的视觉元素表现流行文化。综合绘画也以其材料的多变性和较强的可塑性，不仅仅作为一种绘画形式，逐渐发展成为一种视觉语言，对当代艺术的发展产生了深远的影响。
关于插画艺术的创作语言
1.插画艺术的历史发展概述
插画艺术又叫做插图艺术，是传统绘画艺术的一种。早期插画主要是指插附在书刊中的图画，有的插图是印在文章正文的中间，有的则采用插页的方式，对正文的内容起到补充说明的作用，有的就单纯是作为艺术欣赏的范本而出现的。随着时代的发展，插画的内涵变得更为广泛。现代插画不仅包括出版物插图、杂志、影视、广告插画以及游戏美术设计等形式，它还广泛的存在于平面和电子媒体、商品包装、影视海报等之中，成为人们视觉文化的重要组成部分。现代插画作为现代设计的一种重要的视觉传达形式，以其直观的形象性，真实的生活感和美的感染力，在现代设计中占有特定的地位。
插画有着悠久的发展历史，从最古老的洞窟壁画到日本江户民间版画浮世绘，无一不在展示着插画的发展。早在十九世纪初，插画就已经随着报刊、图书的变迁而发展起来，但是它发展的黄金时期是本世纪五六十年代从美国开始的，那个时期插画刚从美术作品中分离出来，带有明显的绘画色彩。之后插画又受到抽象表现主义画派的影响，从具象转变为抽象，直到70年代，又重新回到了写实风格。中国最早的插画是以版画形式出现的，随着佛教文化的传入而逐渐兴盛起来。目前，我国有史记载的最早的插画作品是唐肃宗时刊行的《陀罗尼经咒图》。刊记确切年代的则有唐懿宗咸通九年（868年）的《金刚般若经》所附的扉页画图。到了宋、金、元时期插画的应用范围扩大到了医药书、历史地理书、考古图录书等书籍中，并发展出现了彩色套印插画。明清时期是我国插画艺术发展的鼎盛时期，不同的地域也形成了不同的风格。
社会发展到今天，插画艺术在社会的各个领域中都有了广泛的应用，插画艺术也进入了商品化时代。插画艺术不仅拓展了我们的视野，开阔了我们的心智，还给我们创造了无限的遐想空间。随着新的绘画材料以及绘画工具的发展，插画的概念已经远远超出了传统插画的范畴，插画艺术家也逐渐开始打破传统插画创作观念，他们不再局限于某一风格，不断尝试各种不同的插画材料和插画的表现方式，大大拓展了插画艺术的发展空间和表现领域。
2.插画的语言表现特点
现代插画主要对现代人们的都市生活进行描绘，成为一种表达生活的语言形式。
（1）插画艺术的色调表现
插画艺术的色调比较统一、线条也错落有致、造型简单大方、插画的色彩非常丰富。插画因其色彩的多样性和复杂性而形成了一个独特的知识学术体系。色彩美学是人们对色彩的属性、感知以及调色方法、配色原则等一系列问题进行探讨研究的理论体系。人们对色彩都有不同的喜好，这种特点不仅受民族和地域的影响，更重要的是受年龄、兴趣、性格等差别的影响。人们对色彩的好恶差异体现在生活中的方方面面。色彩在某些时期的阶段性差异也很强，这与审美趋势、潮流时尚、社会发展等息息相关。线的表现力来自于线的情感内容，线条的变化体现了情感的变化。在现代插画中，线条简单凝练，简约时尚，这也是现代插画艺术追求的表现形式。
（2）插画艺术的艺术表现手法
插画本身就具有社会美学价值，它提高了公众的审美，促进了视觉文化的繁荣和发展，插画最主要的特点就是画面优美，具有视觉冲击力，通过这种最直观、最简单的冲击，向人们传达作者想要表达的思想。插画艺术的表现形式多种多样，之前插画多以手绘水彩的方式为主，而现在多采用电脑绘图或者以手绘起稿、用电脑上色的方式为主，以单幅或者系列的形式呈现出来。从画面的内容来看，插画多以人物、景物或者两者相结合为主，采用单色或者彩色的方式进行创作。当然也有一些插画按照题材内容或者社会功能、目的的不同而采用其他表现方式。总之，不管以哪一种内容、哪一种表现形式，插画艺术都是社会生活中不可替代的一种艺术形式。
（3）插画题材比较鲜明
具有时代特征的文化理念和科学技术对插画的发展有着极其重要的影响作用。随着文化发展逐渐迈向多元化，插画艺术逐渐向时尚性和娱乐性靠近。画家通过对现代社会生活片段的描绘，体现当代社会的流行元素，彰显出它的大众娱乐性。
传统绘画材料和数码工具在现代插画创作中的应用
相对于现代的数码技术、电子设备等现代化绘画工具，传统绘画材料包括油画材料、水墨、水彩、版画、铅笔等。为了能够最大程度的保持绘画的感觉和技法表现形式，一些插画师始终坚持使用传统绘画材料进行创作。然而，更多的插画创作者选择接受数码技术，利用数码技术开发的专业软件，如Photoshop、Painter等具有强大功能的软件，能够模拟出水粉、水彩、彩铅等真实的艺术效果。强大的数码技术还可以控制绘画工具的大小、软硬、透明度和笔触等属性，将不同的材料、机理融合在一起，形成新的视觉效果。电脑软件还能够对绘画进行艺术叠加，利用涂层的混合模式和不透明度的设置将不同涂层之间进行混合从而形成一种独特的视觉效果。现代插画艺术站在巨人的肩膀上，将油画、国画、水彩、摄影、数码技术等统统收入囊中，为插画艺术创造了广阔的发展前景。
1.当代插画艺术的发展状况
不同的创作手段在插画中开始运用、融合具有时代特征的文化理念和科学技术对插画的发展有着极其重要的影响作用。随着文化发展逐渐迈向多元化，插画艺术也有了更为广阔的发展空间。在传统的油画、水彩、铅笔等绘画方式中往往采用单独的绘画材料，而当代插画设计却将他们巧妙地融合在一起，跟潮流的设计符号组合在一起，在艺术创作中创造了丰富的视觉效果。
2.插画艺术的商业应用逐渐多样化
插画最初使用的是纸质、木板等材料为载体，具有对文字加以解释说明的作用。现代插画随着载体的多样化，逐渐被广泛的应用于广告宣传、服装设计、影视多媒体等领域。在这个数字时代，数字技术成为各类传媒的核心技术。插画的创作方式也开始向摄影、电脑图形创作等多种工具和材料相结合，利用计算机软件对插画进行效果处理的现代化创作方式转换。数码技术的逐渐成熟和电脑的普及应用是时尚插画多元化发展的重要因素，而印刷技术和喷绘技术等技术的进步为插画的应用扩展提供了前提条件。插画从古展到现代，形式和手段发生了惊人的变化。但它通过视觉语言向公众传达信息、情感等的目的始终没有改变，现代插画艺术的创作手段使情感和信息的表现更加形象、直观，意图也更加的生动、准确。随着社会的发展，插画的创作方式将会更加便捷，也将更加适用于现代化的各种媒体传播，对社会经济的发展起到推波助澜的作用
综合绘画的创作语言
1.综合绘画的概念
综合材料绘画，是用于界定现代绘画中那些非传统材料的绘画作品的。比如画面上粘贴报纸、麻袋、金属，然后再用颜料作画的，还有一些绘画技术和装置技术结合但是偏静态绘画的，不一而足，难以一概而论。并且是在同一绘画作品中使用多种材料和技巧进行作品创作的一种创作方式也没有既成的传统和体系，多半带有即兴色彩，要找一个比较权威比较全面的论述，也是比较难的。早在20世纪初，毕加索等人就曾将墙纸、油画布和硬纸板等材料拼贴到画作中，用沙子、木屑等制作各种效果机理。综合材料作为当代艺术创作的一种新的表现方式，以其特有的形式拓展了传统绘画艺术的表现空间。随着社会的发展和进步，现代绘画艺术呈现出百家争鸣的多元局面，大众的审美和画家的观念也都在慢慢的发生改变，传统的单一的绘画材料和形式已经不能满足他们的要求。画家们也开始对绘画材料和表现语言进行研究和创新，尝试用不同的途径和不同的材料来传达信息。综合材料作为一种载体，能够带来丰富多彩的视觉感受，对拓展艺术家的想象力产生了极其重大的作用。画家们挣脱传统表现形式的束缚，创新思维，利用综合绘画材料的可塑性，逐渐将其发展成为一种艺术思维形式。
2.综合绘画的语言特征
（1）综合绘画语言形式的表达
造型、色彩、材料是绘画语言的三大基本元素。综合绘画的语言具有独特的语言形式，它的特征取决于材料自身的物质属性，其中包括材料的外观、色彩、材质等以及它带来的相关性和指向性。这种相关性和指向性成为综合材料绘画特有的表现方式。艺术家的创作就是要充分挖掘材料属性中的审美价值，利用材料的物质属性以视觉语言对人们作出启迪和暗示。另外，综合绘画中具有较强的情感性特征。综合绘画语言形式和其他绘画的语言形式是一样的，都是画家对物象的认知和内心情感的一种表达方式。寻找一种合适的材料进行情感的表达，是综合绘画语言形式作为艺术家情感表达的前提条件。
（2）综合绘画的材料运用
随着社会的发展，绘画的功能作用也在不断的发展变化，从绘画的诞生发展到现在，综合绘画的材料也在不断的变化着。在当代绘画艺术领域中，艺术表现的对象和主体已经从根本上发生了变化，综合绘画成为一种特殊的表现形式，它在技法和风格上都更加自由，更加符合现代多元化的艺术趋势。现代综合绘画中绘画材料的运用已经远远超出了材料本身的含义，材料的选择范围也在不断地扩大。从某种程度上来说，只要能够达到表达艺术家情感和观念的目的，一切材料都能用于艺术创作。当然，材料的应用与艺术家的个人爱好与观念有关，他们往往根据自身的情况来寻找最为适合的材料和艺术表现形式。综合绘画材料更强调采用多种表现方式，更关注对绘画的本质的理解。总的来说综合绘画给当代绘画艺术带来了不一样的视觉感受，对艺术家的艺术创作方式产生了非常深远的影响，对大众的审美习惯也有了很大的改变。
插画艺术与综合绘画之间的创作语言联系
插画是绘画的一种，从某种意义上来说，绘画艺术是一门基础学科，而插画艺术是一门应用学科。在现代绘画领域里，插画艺术采用简单的线条，遵循审美与实用相统一的原则，运用图案表现形象，是最具有表现性的一种绘画艺术。插画艺术的许多表现手法都借鉴了综合绘画艺术的表现技巧。不论是在表现技巧、表现力上，还是在设计主题的深度、艺术魅力上，综合绘画艺术对插画艺术都有着深远的影响。尽管插画专业与绘画在造型表现上有互通的地方，但如果硬性嫁接，会忽视双方各自的学科特点，造成学科特色不鲜明的问题。
随着社会的发展和进步，插画艺术的应用范围在不断的扩大，如何将插画艺术与综合绘画有效的结合在一起，取彼之长，补此之短，是每一个绘画艺术学者面临的难题。绘画性插画能够根据不同的设计意图采取不同的切入点，例如，形象、颜色、肌理等，可以不表现写实的空间，也可以采用装饰、构成、拟人、卡通等综合表现形式。综合性插画运用绘画作为创意表现的一种表现形式，绘画有多少种分类，插画也可以有多少种分类。例如，采用油画、水彩、钢笔素描等形式对插画进行多种多样的表现，使其各具特色。绘画性插画在深刻表现主题的前提下，追求技巧的多样性，从而比插画和绘画更具有表现力。
总结语
美术绘画技巧范文篇8
关键词：直观展示;榜样作用;示范作业;美术素养
美术是一门感知美、创造美、欣赏美的学科，以感染和陶冶人的性情为己任。作为美术教师，应该在教学过程中充分发挥学生学科本身的本质魅力，通过有效的教学策略和技术，激活学生潜在学习动力和欲望，帮助学生提升美术学习的效益。因而在整个教学过程中，教师要针对学生内在的认知规律以及年龄、接受特点，选择适切的教学策略，帮助学生克服在美术学习过程中所遭遇到的困难。这就要求教师要通过细致的演示过程，为学生树立榜样，从而凸显教学的效果，最终达成较为理想的教学效果。
一、借助多媒体，以直观展示克服绘画困难的信心
美的存在是客观的，而欣赏的主体能否欣赏感知到这样的美丽，就必须依托主体自身的感受器官。而在美术教学过程中，学生最为常用的感觉器官在于眼睛，即通过视觉让学生感受美、创造美。教师可以结合当下多媒体运用手段增强学生的视觉接受信息，在强化视觉这一根本性的接受渠道的过程中，继而辅之以聆听、触摸等多重感知手段，从而调动学生已经形成的生活经验，为学生在感知美的过程中提升其感染力和想象力，从而有效地激活学生的内在兴趣，保持学生关注能力。多媒体课件在美术教学过程中的使用，能够给学生以身临其境的真实感、浸润感，尤其为学生掌握理性抽象的知识提供了直接有效的形象认知媒介，拓展了学生对知识掌握的渠道，从而激活了学生对客观事物的把握程度，激发了学生的求知欲望，使得课堂的外延得到有效的拓展与延伸。
二、借助示范化，以教师榜样消融绘画技巧的障碍
在美术创作过程中，学生的本领和技巧都不是与生俱来的，而是在不断的实践过程中得以实现的。因而，在美术教学过程中，在学生绘画技巧不断提升的过程中，教师在课堂中的示范性绘画对于学生能力的提升具有重要的推动作用。无数的实践证明，教师的示范性绘画是整个教学环节中任何一种其他的教学策略所无法替代的，尤其是绘画过程中一些难点和重点，教师只有借助示范性绘画的方式才能真正地呈现在学生面前。试想如此复杂而机械的内容，如果没有示范而仅仅有教师的描述，学生是不可能一下子就完全明白的，只有在教师的示范绘画过程中得以解决。而一般情况下，教师的这种绘画又可以分为三种情况：
（1）通过示范呈现绘画步骤。这是在课堂教学中经常性可以看到的一种绘画方式，是教师根据学生需要绘画的内容，呈现给学生绘画的基本步骤和顺序，以便于学生更好地模仿与训练。因为考虑到课堂教学时间有限，教师在这一过程中的示范性绘画仅仅以线条的方式加以呈现，并通过简洁的语言描述加以控制。这样，学生能够完整地感受到作品的形成路径和步骤，从而感知了绘本的基本方法，尤其是步骤。例如在教学“我理想的居住环境”这一课时，主要引导学生以风景画的技法加以呈现，而在教学过程中教师通过示范绘画将风景画中不同距离的表现手法展示给学生，为学生的模仿创造奠定了基础。
（2）通过示范展现创新思维。在美术创作过程中，不仅有模仿性的美术作业，更有很多需要学生发挥出自身想象力才能完成的作业。而在这种类型的美术创作中，教师的示范性绘画已经逐渐淡化了绘画层面的技巧，而更多地注重对学生思维能力的启发。而教师在示范过程中，更将自身创作过程中的体验感受直接告诉学生，让学生在感知技巧的同时更能体验作者的创造性思维，并在结合自身实践的过程中举一反三，从而拓展学生的认知思维。例如在绘画《天外来客》时，教师就为学生创作了自身设计的外星人外形，并在绘画过程中展现了自己创作过程中的思路，为学生的创作设计奠定了思维的基础。这样，学生在动笔创作的过程中，就不会捉襟见肘了。
（3）通过示范呈现对比质态。直接的示范与告知，学生难以形成较好的教学效果，学生的关注力也难以得到有效保障。根据小学生的心理接受特点，教师可以帮助学生在示范性绘画的过程中故意将正确与错误的绘画一起呈现在学生面前，从而帮助学生在两种截然不同的画法中得以有效的对比与辩证，形成高效的教学效果。
通过比较辨析，可以有效地让学生少浪费时间与精力，真正实现了学生绘画技巧的提升。
美术绘画技巧范文1篇9
关键词：近代；油画创作；中国元素
中华文化博大精深、源远流长，在五千年的发展过程中形成了多种具有中国特色的元素，它不仅融合了中华民族人们的智慧成果，也吸纳了国外先进实践经验，是我国文化领域中不可多得的瑰宝。随着物质经济水平的不断发展，人们文化精神需求日益增长，在这种背景下，蕴含中国元素的近代油画创作逐渐受到人们关注。油画作为西方有代表性的艺术表现形式，如梵高的《向日葵》、达芬奇的《最后的晚餐》等。自康熙年间油画技巧传入中国后，油画创作逐渐在民间兴起，并标有显著的中国元素记号，在创作过程中加入中国元素，在传递中华精神的同时，也提升了人们审美意识和水平，给人带来美的享受。
在经济、文化和政治交流越来越多的时代中，必须加强诸如油画创作的文化软实力，根植于传统文化，取其精华，去其糟粕，在借鉴其他文化的过程中，给中国元素赋予新的时代内涵，为其注入新的生命力。
1近代油画创作的发展历程概况
近代维新变法后，部分有志青年积极赴国外学习油画创作，如写实派代表人物徐悲鸿等，但后来我国一直处于战乱时期，社会环境较为动荡，使得油画创作进入低迷期。直到新中国成立，油画创作才重新焕发生机，随着改革开放合经济全球化的影响，油画创作逐渐进入鼎盛时期。
1.1近代油画创作的中国哲学印记
近代油画创作过程中带有浓厚的中华文化哲学印记，不仅代表着我国最有特色的民族审美意识和理念，也体现着绘画艺术水平。绘画创作与哲学同属文化范畴，两者相互影响、关系密切，从油画代表作中可以看出，如《黄河颂》《大地的女儿》等。艺术家在绘画时都会加入相关的哲学思想，或抒发自身情感，或表达对现实生活的期待。因此，在研究带有中国元素的油画创作过程中，可以基于哲学的视角，全面解读油画中的中国元素。[1]
春秋战国时代是我国哲学思想发展最早、最繁荣的时期，出现了儒家、墨家、道家等诸子百家，各类哲学思想盛行，促成了我国历史中文化领域第一个百家争鸣景象。其中，影响我国绘画文化最深的是儒家，代表人物有孔子、孟子，其主要思想有“仁”“礼”“中庸”等，并提倡“过犹不及”。经过历史的发展，油画创作也逐渐吸收儒家思想，在加强自我绘画修养的前提下，基于绘画意境整体视角，融合绘画精神与自我情感，增加绘画的艺术性。同时，受到哲学思想的启发，中国画家拓宽了绘画思路，打开绘画视角，主动追求更高层次的绘画意境。
油画通过画家手中的笔，勾勒出画家内心真实世界，以另外一种无声的语言表达画家对现实生活的期盼或美好祝愿。近代油画创作基于人们实际需要的角度出发，强调“人”在世界中的地位，以唯物辩证主义观点凸显“人”的重要性。人能够通过发挥自身能动性，支配意识行为，在绘画过程中加入中国哲学元素，将物质世界与精神文化世界有机统一并融合，形成新的绘画风格，给人们带来了良好的视觉效果，在欣赏绘画作品的同时，也能感悟人生，体会人生百态，为升华人格特征提供了很好的保障。
1.2近代油画创作的中国传统精神
中华文化传统精神涵盖的领域较广泛，在近代油画创作过程中，这一艺术形态无一不展示着中国元素。从油画造型的角度分析，能给人们留下深刻印象的作品，多多少少都带有具体精神含义，艺术家在下笔之前，都会在脑海中构造出作品的整体意境和风格，以笔墨勾画等形式，展现在油画作品中。人们在欣赏作品时，会带有一定的主观意识，正如莎士比亚曾说过：“一千个读者就有一千个哈姆雷特”。因此，画家在刻画造型时，应遵循自己内心意愿，结合中国传统精神，创作出更有深度的艺术作品。[2]
从油画色彩的角度分析，色彩符号是近代油画表现艺术形式之一，它的发展历史可以追溯到远古时代，人们对美的需求是与生俱来的，但受到外界环境因素和个体差异性的影响，需求层次会有所不同，在油画色彩中，如何将色彩有机融合，要求画家对色彩有着独特见解，并能够通过画笔展现出来。
从油画原材料的角度分析，颜料量的使用，直接影响着绘画中感彩的表达。在近代油画作品中，存在很多带有中国元素的绘画作品，它们通过变换油画材料，将绘画整体结构与中国传统精神相连接，展现着中华文化精神的独特魅力。绘画作品的画面感是否强烈，决定着作品的是否能给人们留下印象。因此，如何利用好油画原材料的表现力，吸引人们注意，需要每一位画家认真思考并研究，结合历史发展背景，不断深入探究绘画创作过程的中国元素。
2近代油画创作中蕴含的中国元素
近代油画创作过程中蕴含的中国元素，主要可以从画面意境、笔墨勾勒、整体结构等方面进行分析。科学技术日新月异，画家在创作作品时可以使用的材料类型、可以创作的类型不断增多，在这种时展的大环境下，如何找到油画创作过程的中国元素，更加突出我国文化发展的特色和优势，需要画家立足于具体中国元素，找到现代化绘画艺术与传统元素的平衡点、连接点，促进我国油画创作繁荣发展。
2.1融合油画意境，用笔墨勾勒中国元素之美
我国绘画艺术主要强调意境氛围，凸显油画深层次的艺术性，笔墨勾勒是油画创作中艺术家最常用来表达情感的载体，如果画家的笔墨勾勒技巧较高，能直接从画面中品味出作者的“喜”“怒”“哀”“乐”。跟西方写实油画相比，我国油画更具有中国元素的特色，将油画绘画技巧与传统绘画技巧相融合，通过线条的粗细表达画面整体结构。此外，中国元素还体现在画面空间转换中，主要有二维和三维空间的自由变化，更能营造唯美意境。[3]目前，很多画家没有意识到笔墨勾勒的重要性，盲目地模仿西方三维空间绘画形式，使得作品缺乏新意，让油画作品失去了中国本土特色，不利于中国元素的传承和发展。因此，画家必须立足于中国元素，吸收精华部分，融合到油画意境中，提升作品的艺术性。
从中国绘画历史的角度分析，中国元素更能表达出人们所需要的东西，成功的作品具有意境美、笔墨技巧高等特点，如果在作品中加入中国元素，以油画创作艺术形成民族凝聚力和向心力，以更独特的视角展现优秀的传统文化。艺术是没有国界的，但艺术是具有个性特征的，从弘扬传统文化的角度分析，近代油画创作构图多样，色彩朴实，都带有中国元素的印记，画家应不断积累中国元素，更全面解读中国元素的特点，将其运用到绘画创作过程，提升油画创作的民族性。
2.2创新油画风格，用色彩烘托中国元素艺术
油画作品的色彩影响着整体风格和格调，具有中国元素的油画偏爱用水墨，通过最简单的墨色，展现出“色彩”的变化。画家可以根据作品需要表达的情感、衬托的人物等方面，以墨色的深浅来表达，与西方油画相比，虽然运用的颜色比较单一，但这也正是中国元素的体现。把油画风格与艺术创作相结合，将西方艺术与中国传统文化融合，运用意境创作和色彩烘托，在油画中加入中国元素，促进油画艺术民族化。受到我国发展文化政策的影响，油画艺术在几年取得了一定成绩，不同风格的油画极大地促进了我国艺术事业，在这种背景下，艺术家只有更全面地运用中国元素，从中华文化中吸取精华，形成自身绘画特色，敢于创新色彩符号的搭配形式，借助现代化艺术理念，才能促进中国绘画艺术持续发展。
油画色彩的功能是极其强大和具有可塑性的，与我国传统绘画相比，有一定的优势，它能对画面肌理效果产生很大的促进作用，能较好地传达画家内心，根据画面艺术和色层美，将传统油画中的写实对象加在色彩表现形式中，以一种全新的创作风格和质感，改变着人们的审美意识和审美理念。近代油画的风格突出人的特性，带有画家自身思想和中国元素，风格化是我国油画发展的重要特征，也是区别于西方艺术的主要标志，是对传统中国绘画艺术的传承，凝聚着中华优秀文化。需要注意的是，色彩这种中国元素，与西方强烈的视觉冲击相比，中国油画更趋于柔和化，在素材类型比较丰富的情况下，主要以创新风格为主，以水墨色彩整体烘托画面。但如果需要刻画人物形象时，突出某一个点或面时，则通过水墨间细腻变化表现，如“人体艺术”等。
2.3营造油画氛围，用装饰突出中国元素精神
装饰元素是中国油画创作过程有的文化表现形式，借助民族装饰等元素增加了油画的可知、可感性，能较好地引起共鸣。以这种装饰元素出现的中国油画，展现了艺术家在创作过程的丰富想象力，用作品的艺术氛围将带有中国特色的装饰元素有机融合在一起，使得画面更加具有层次性。
我国装饰元素较多，随着艺术的不断发展，油画在创作过程中可以汲取现代化元素，以浓厚的东方底蕴营造油画氛围，塑造油画整体结构，以画面的艺术格调感染人。我国地域面积广阔，民族众多，每个民族都有着独特的文化元素，给中国油画创作提供了良好条件。因此，画家在创作作品时，可以先深入民间体验，结合社会实践经验，让绘画作品带上自身对生活的感悟，合理处理绘画细节，在文化精神领域给人们带来美的享受。如果想要在日益竞争激烈的文化市场中赢取地位，画家们应不断借助中国装饰元素，如少数民族的“图腾符号”“宗教符号”等，以更加独特的视角，构造出不同的绘画作品。[4]如新疆少数民族油画家们喜爱“风情画”，其代表作品有《把好马献给》等。少数民族油画家们喜爱“宗教画”，每个区域的画家在选择装饰元素时，会受到地域因素、风土人情、历史背景等方面的影响，人们在欣赏过程中，应主动结合画家的背景，更全面地品味中国传统文化元素。
3加强近代油画创作中蕴含中国元素途径
随着经济全球化的不断发展，各国在文化领域的交流日益密切，加大了市场竞争。从油画创作中蕴含的中国元素来看，我们必须寻找到现代艺术和传统绘画之间的沟通桥梁，借助民族装饰元素、绘画技巧和油画创作过程，加上时代赋予的新含义，推动中国油画作品走出国内、走向世界，提高在油画领域的影响力，形成独树一帜的中国油画风格。
3.1立足中国传统文化，全面解读中国元素
中国传统文化底蕴深厚，其文化表现形式、元素积攒了我国人民的智慧和成果。在发展油画的过程中，如果完全摒弃中国传统文化，将会造成油画中国元素的缺失，使得人们在欣赏作品时缺乏归属感，找不到共鸣，同时，过分依赖西方油画创作艺术，也不能很好地促进我国文化事业持续发展。因此，加强近代油画创作中蕴含的中国元素，必须立足中国传统文化，全面深入了解我国历史背景，抓住有特色的中国元素，借助现代化绘画技术，加入自身创作灵感，营造更具有深意的艺术氛围。需要注意的是，寻找中国元素时，画家必须基于人们最实际需要的角度，以正确的价值观、人生观和世界观发现中国元素，不要过分追求“新意”，也不应过分迎合人们需求，让油画艺术失去其本身的色彩。[5]
3.2提高油画创作技巧，升华中国元素内涵
油画家的创作技巧、笔墨勾勒处理方式影响这中国元素的展现。目前，部分绘画家在创作时，偏爱追求作品的缥缈意境，从而忽略了最基础的创作技巧，使得作品缺乏相关的深度和含义。在这种情况下，画家应在日常创作中更加注重自身油画基础，加入笔墨处理方式，结合油画的色彩、原材料，突出中国元素的核心，创新油画风格，升华中国元素内涵，为油画作品添加中国特色，实现“画面”和“意境”的结合。实际绘画过程中，画家可以将“国画”与“油画”融合，细化油画创作结构，以细腻的笔墨勾勒塑造更富有感染力的作品。具有中国元素的油画作品，不仅能表达自我情感，也利用油画的神韵，更全面地诠释中国精神。
3.3注重油画创作过程，传承中国元素艺术
众所周知，如果画家在创作过程中没有灵感，找不到创作思路，可能会降低作品本身的格调和意境，如果画家遇到创作“瓶颈”，可以放宽创作视野，汲取中国装饰元素，以传统艺术的方式，打开创作新路径，突出中国油画特色。从哲学的角度来说，画家应用辩证的观点看待传统中国元素，不断创新艺术表达形式，将具有民族特色的元素融入作品。同时，以发展的眼光看待中国元素，用现代艺术丰富油画创作，提升我国在文化领域的竞争力。
4结语
近代油画创作中蕴含的中国元素极其丰富，对促进油画领域健康持续发展打下了坚实基础。在文化碰撞日益激烈的时代，画家只有立足于璀璨的中华文化，继承和发展传统文化中有特色的中国元素，提升油画创作的民族特征和艺术特征，才能不断创新油画意境和风格，彰显油画独特魅力。同时，画家应加强自我绘画修养，树立终生学习的意识，主动更新油画创作理念和方式，多借鉴和吸收中国元素的优势和长处，借助先进的哲学思想和传统文化精神，丰富绘画创作过程的文化内涵，多在平时练习笔墨技巧，在创作过程中融入中国元素和自身丰富经验，为提升人们的民族审美水平和意识做出贡献。充分彰显出我国油画创作领域的特色，将先进的中国元素以油画创作的方式传播出去，积极实践“文化走出去”的发展战略，提高我国综合文化软实力和竞争力。
参考文献：
[1]张岩.论油画创作中中国传统元素的运用[D].吉林艺术学院硕士学位论文，2013：12.
[2]张开宇.近现代油画创作中的中国元素研究[J].文艺研究，2013（12）：160-161.
[3]倪峰.中国当代油画创作中传统文化元素的应用[J].大舞台，2014（10）：51-52.
美术绘画技巧范文
关键词：稚拙美巧拙
中图分类号：G613.6文献标识码：A文章编号：
王国维《人间词话》：古今之成大事业、大学问者，罔不经过三种之境界。“昨夜西风凋碧树，独上高楼，望尽天涯路”，此第一境也。“衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴”，此第二境也。“众里寻他千百度，回头蓦见，那人正在灯火阑珊处”，此第三境也。禅典有云：“古德有初时山是山，水是水。向后山不是山，水不是水。又向后，山仍是山，水仍是水”三个阶段、次第。每种艺术形式都有其发展、演变的过程与规律，“稚拙”作为美的一种形式在历史的长河中也经历了由稚嫩到成熟的过程。我以为，稚拙之美在中国美术史上的三个境遇与这三种境界有相似之处。
1稚拙美的初级阶段——看山是山
原始美术、民间美术有一个共同的美学品质，即稚拙之美，即在幼稚而又笨拙的艺术形式中表现出一种原始而又纯真的情感。原始人通过模仿自然，大胆流露出自我意识，用率真、质朴、夸张的手法创造出一个具有朴素的情感意味的稚拙美的世界。这些绘画作品看上去幼稚、有趣，如儿童画一般，是人类思维和艺术水平发展还不成熟的表现，也可以说是稚拙之美的初级阶段。我想就这一问题从以下两个方面来进行分析：
1.1精神层面
原始岩画和儿童画都来源于“本真”，未经修饰，显示出原始的生命状态。原始人的艺术特征是感性观照的方式，即以感性形象化的形式把现实的景象，呈现于意识，继而物化在创作活动中，在这个过程里没有过多理性的介入，是与他们当时的生存方式相一致的思维方式，具有一种天然性。他们认识世界的方式是简单、直观的，是一种本能，他们还没有能力对物象作深入的分析，仅是凭感官来认识和判断事物。
从史前人类的绘画遗迹可以知道，原始人类的巫术礼仪活动和图腾崇拜是原始思维影响下的最直接的产物，原始绘画则是这种反映的图式形式，而也正是由于原始人旺盛的生命力和理性辩识力低，才创造出了简单、真挚和纯朴的稚拙美的世界。如果说原始人和儿童在思维上都指幼稚、不成熟，其艺术表现源于本性，其“真”是对外部世界的直接反映，那么，民间美术的“真”则是体现在本性的“求生、趋利、避害”上，对吉祥、如意的祈求，对生殖、生命的渴望无处不在，老百姓总是用寓意的形式来寄托对美的追求。
原始美术和民间美术均反映了无意识的原始冲动，荣格称之为“原始意象”或“原始模型”，艺术创作的原动力根植于人类生命的本体。从民间美术的历史发展及存在形态来看，它秉承了原始文化的性质，与上层文化相异，它的目的和基本功能是为了满足人类生存的需要，因此，这种思维方式也是人类思维的低级阶段。
1.2表现形式
原始人和农民没有经过专门而严格的训练，没有线条、明暗的转换以及色彩的构成等所谓的绘画法则可遵循。原始绘画产生于洪荒、神秘的远古巫术时代，民间绘画表现的则是老百姓对真、善、美的追求和向往，不同的目的使他们的绘画形式有着各自不同的特点，但是，他们却具有相似的思维特征和共同的稚拙美表现，以夸张变形、设色大胆、构图奇特为特征：a造型上，带有强烈的直观性，不拘泥于物象的比例，具有符号性，不合常理、简约却感人至深。b色彩上，认识简单，只关注鲜艳的颜色，很少注意到灰色调，夸大色彩的纯度，常用原色，不经调和的并置，形成明快、艳丽的视觉效果。c构图上，多采用平面构图，装饰性强，有动感，没有边框意识，极富趣味性。d创意上，想象力丰富、奇特，经常以神秘、天真和浪漫的主题来描绘万物。
原始绘画和民间绘画没有所谓绘画法则的条条框框的限制，都是发自人类天性的艺术，不讲技法、画理，逾越了透视，构图等一般的常规，用炽热的情感，特殊的形式展现着非凡的魅力，创造了一种稚拙的美。
2脱离稚拙美形态的阶段——看山不是山
2.1精神层面
“《庄子》所谓‘淡’，‘游心于淡’（《应帝王》）的‘淡’乃是自然无所饰，也就是他向往的朴。但凡属创造出的朴，《老子》曰：‘复归于朴’，《庄子》曰：‘既雕既凿，复归于朴’，皆是经过雕凿而‘复归’。《庄子·大宗师》‘吾师乎，吾师乎？……覆载天地，刻雕众形，而不为巧’。这皆不是游戏式的，也不能‘一超直入’，仍然需要一定的苦功。”[陈传席．中国绘画美学史．北京：人民美术出版社，2000．480]凡事皆如此，绘画由最初的萌芽状态，进入到成熟期，人们的绘画技巧也愈发娴熟，在追求技艺熟练的过程中，人类某些真挚的情感可能就丧失了，稚拙之美也经历了这个过程。本章第一节论述的“看山是山”的境界是无我的，自然、自觉、表象的状态，第二节“看山是山”的境界是我在的，把山附加了人的观念的境界。稚拙美在这里被掩盖了，人为的因素增加过多，象“成教化，助人伦”思想的倡导，人张扬本性的方面被减少了，反映到绘画中就是技巧上追求精细，工谨，易流于媚俗。
2.2表现形式
如果以稚拙初期的作品和脱离稚拙形态的作品相比较来看，原始人类没有关于线条、明暗的转换等绘画法则，绘画只是他们意识的产物，是原始人类巫术活动下的产物，由于理性辩识力低，没有系统的绘画法则和先进的绘画工具，也没有能力进行细节的刻画，所以，描绘出来的形象就比较简单、具有符号性特征，如同剪影显得较笨拙，优点是生动，表现了原始人热爱自然、旺盛的生命力。界画和院体画（如图示)较原始人的写实能力大大提高，造型准确，技法娴熟，表现对象丰富，注重细节刻画，但是用笔过于精细、严谨，构图繁而重复，画面显得实而板，工巧有余而生动不足，缺乏感人的震撼力。
荆浩《笔法记》提出品评绘画作品优劣的“神、妙、奇、巧”四个品第。巧是最低的一等。“巧者，雕缀小媚，假合大经。强写文章，增邈气象，此谓实不足而华有余。”王镛先生在其印作“不阿世”的边款上刻有：“巧，艺之大忌也。印亦然。初多喜巧厌拙，或以整齐鲜华为能事，或以无端造作为聪明，皆伤于‘巧’字，若悟心不开，终不免堕于小家气耳。”“巧”就是卖弄技法。巧与拙代表着两种不同的美学思想，各有其审美价值，扬巧抑拙或扬拙抑巧都是不符合唯物辩证法的。由拙到巧说明从能力上产生了一个质的飞跃，惟熟才能巧。然而，巧到何种程度才是最高境界？李白云：“清水出芙蓉，天然去雕饰”。“巧”与“拙”也正是在这个意义上被书画家不断提出来的，巧后再求拙，是艺术创作再一次质的飞跃，这“拙”已不是最初的力不从心、无所能时的“拙”，而是有能之时、心手双畅、无意于佳乃佳之“拙”，是“真巧”“大巧”，是大朴不雕之“拙”。
3稚拙美的回归阶段——看山仍是山
禅典“看山仍是山”的境界是剔去过多人为因素的境界，此时，山的本性得以还原，是圆融无碍的、自然而然的状态。
美术绘画技巧范文篇11
在以往的初中美术教学中，教师一味地传授美术技巧，忽视学生的感受，没有突出学生的主体地位，所运用的教学方法单一，无法调动学生学习的主动性，渐渐地学生失去学习兴趣，不愿意主动投入到美术学习中，直接降低学生学习效率，导致学生的美术基础薄弱，针对这一教学现状，以下文章提出运用兴趣教学法，从而解决初中美术教学中存在的问题。
一、初中美术教学中应用兴趣教学法的重要性
现阶段初中美术教学课堂上教师运用兴趣教学法，组织学生开展美术教学活动，以学生为中心进行户外绘画，引导学生自主创作美术作品，突出了学生的主体地位，进而充分的发挥了学生的主观能动性，调动学生学习热情，使学生由被动学习转变为主动学习，锻炼学生的绘画技巧，使学生深层次理解美术意境。另外，教师也可以借助多媒体展示出多种多样的教学资源，呈现出生动立体的美术作品，能够加深学生对美术作品的印象，对美术作品感兴趣，消除不良的学习情绪，逐步点燃学习热情，进而引发学生积极思考美术作品所运用的绘画技巧，主动鉴赏不同类型的美术作品，使学生的鉴赏能力有所提高，逐步增强学习美术的自信心。此外，在运用兴趣教学法时，要注重根据学生的兴趣点，设计趣味性的教学视频，有利于激发学生学习兴趣，学生在兴趣的驱使下，主动与教师沟通的交流，拉近了师生之间的距离，以便于教师全面掌握学生的学习情况，进而设计出针对性的教学内容，实现兴趣教学法的教学目的，从而逐步提高学生的绘画水平，充分体现出运用兴趣教学法的重要性[1]。
二、兴趣教学法在初中美术教学中的应用
1.运用多媒体呈现多种教学资源，激发学生学习兴趣
在以往的初中美术教学课堂中教师采用灌输式的教学方法，忽视突出学生的主体地位，致使学生长期处于被动学习的状态，学生不能深入理解美术作品的意境，没有熟练掌握绘画技巧，对美术知识的了解仅仅局限于课本知识，机械的传授方式，使教学氛围枯燥，导致学生不能很好地学习美术知识和绘画技巧，逐渐失去学习美术的自信心，长此以往下去对美术不感兴趣，进而出现厌烦和抵触的学习情绪。为此，美术教师要改变传统的教学方法，积极运用兴趣教学法，借助多媒体呈现多种教学资源，扩宽学生的知识面，延伸更多的美术知识，丰富教学内容，开拓学生的视野，能够激发学生的学习兴趣，使学生摆脱不良的学习情绪，点燃学生学习兴趣，促使学生主动投入到美术学习中，更好地学习和掌握美术技巧，学到更多的美术知识，使学生深入理解多种美术作品所蕴含的寓意，增强学生学习的主动性和积极性，有效提高学生的学习效率。
例如：在学习毕加索的作品时，教??可以运用多媒体播放作者的诸多美术作品，并将兴趣教学法应用于教学各个环节之中，通过播放动态的教学视频，使美术教学内容生动化、形象化、立体化，带给学生全新的感觉，以便于学生全面了解多种不同的美术作品，不断提高学生美术素养，从而取得最佳的教学效果[2]。
2.营造艺术情境，运用兴趣教学法
随着新课改的不断深入，对初中美术教学提出了更高的要求，美术教师要创新传统的教学方法，积极运用兴趣教学法，营造艺术情境，使学生置身于良好的教学环境中，以便于学生更好地理解和掌握美术作品。教师应根据美术作品的特点创设相应的教学情境，结合学生的兴趣点布置教学任务，以免学生失去学习兴趣，将兴趣教学法深入落实到教学情境中，设计出具有趣味性的教学内容，同时营造艺术情境，驱使学生的学习热情，使学生对美术作品感兴趣，实现兴趣教学的目标。
例如：在学习“徒手画校园”一课时，教师运用兴趣教学法，注重创设艺术情境，引导学生自主绘画自己想象中的新校园，发挥学生的想象力和创造力，深入挖掘学生学习美术的潜力，使学生的绘画技巧得到锻炼，在艺术情境之中，以便于学生轻松学习美术知识，激发学生学习兴趣，从而提高美术教学效率。
3.开展教学活动，培养学生学习兴趣
目前，兴趣教学法被广泛应用于初中美术教学中，美术教学通过运用兴趣教学法开展丰富多彩的教学活动，并注重以学生为中心，充分体现学生的主体地位，在美术教学活动中组织学生自主进行绘画，自主探究美术知识，将学习的主动权交给学生，构建开放性的美术课堂，有利于培养学生学习兴趣，使学生积极主动融入到美术教学中。
在教学中，教师应鼓励学生参与集体活动，增强学生学习的积极性，使美术教学内容体现出趣味性，形成活跃的学习环境，改变了学生的学习方式，使学生牢记美术知识，深刻理解美术作品的含义，进而学会自主鉴赏美术作品，不断提高学生的鉴赏能力。
例如：在学习“现代建筑”时，教师可以结合教学内容设计教学活动，引导学生到户外观察现代建筑的特点，使学生感受到多种不同的建筑风格，运用自己所学过的绘画技巧进行创作，充分表达出不同建筑物的不同特色，进而锻炼学生的绘画技巧和观察能力。此外，全体学生可以相互交流绘画技巧，加强学生之间的交流和沟通，通过开展户外的教学活动，能够培养学生学习兴趣，逐步提高全体学习的动手能力和绘画技巧，使学生学会仔细观察建筑物，明确教学内容的重点和难点，进而顺利完成教学任务，从而取得事半功倍的教学效果[3]。
美术绘画技巧范文篇12
关键词绘画艺术语言形态
绘画是运用线条、色彩、造型、构图和一定的形式进行搭配组合而成，完成传达精神内涵的任务。绘画作品的主题有表现形式的作用、有作品内容和作者精神的体现。绘画的内容和形式，密切相连，形式是观念、情感和技术的体现。绘画语言包含技巧、形式和内容的有机融合，它是相互制约和渗透的有机整体，美术工作者的感情是靠绘画语言来表现，这种语言的运用，是根据美术工作者的艺术表现力，来彰显出艺术水准。
美术工作者对绘画语言运用不同，而产生多姿多彩、风格各异的绘画作品。在欧洲，自达?芬奇开始，就形成了传统的写实主义画法，美术工作者通过研究光线揭示形式的方式，发展和运用直线透视法，来获得景深幻觉的规则，通过研究人体解剖，给作品注入全新的现实主义感。他们的作品弘扬了人文主义精神，在绘画的总体风格上，姿势华丽、典雅、宏伟、和谐，写实技术娴熟，形成了“古典主义”画风。
区别与古典画风的印象派画家们，用光、色描绘自然和抒发自己的感情，他们擅长表现阳光和色彩，对瞬息万变的光色变化非常敏感，注重色彩的表现，美术家运用分色技术，将色彩合理组合，使画面变得明快绚丽。印象派画家不再因袭传统的画法，其作品诠释了光色的功用形。在色彩的表现里，印象派画家完美地表现了一种抒情风格，他们很好地运用了绘画语言，给作品注入了抒情性外表美。在西画造型过程中，主要使用形体和色彩语言，即便没有线的使用，其造型行为不会受到重大影响，依然能构架绘画形态;即便使用线界定轮廓，如在轮廓外辅上调子，就会成为立体画面。因此，西画中线是作为表现形体的特殊手段。
各类画派的美术家，都借助语言形式来体现作品的情感。绘画语言的不同运用，产生了不同风格的绘画作品。中国画崇尚文、意、趣，是通过笔墨技巧来体现的。
笔墨本身是形式的因素，有引起形象的联想和意趣的感受功能。正如蓝色和红色能引起冷暖的视觉感受一样，在宣纸上粗糙的笔墨，能画出老人苍老的视觉感受;水摘要绘画语言在人的视觉方面，由点、线、形、光、色彩要素构成。绘画是运用线条、色彩、造型、构图和一定的形式进行搭配组合而成，来完成传达精神内涵的任务。
关键词绘画艺术语言形态
分饱满、行笔流畅的笔迹，给人春天般滋润的视觉感受;流利灵活用笔，能唤起洒脱欢畅的联想;快速多变的用笔，能令人有蛇龙飞舞的遐想。这些笔墨形式，是美术工作者独特风格在艺术技巧方面的表现。
美术家们通过构思构图，合理运用笔墨虚实，水韵、墨色和运笔产生的肌理，形成有个性的绘画语言。虚实的表现，是美术工作者灵气的表现，是对画理的悟性。画要有笔墨，无笔墨就不成画，笔墨技巧要与表现内容有机的结合起来，才能创作出最佳作品。这种艺术法已成为中国独有的绘画语言。
绘画语言在视觉方面由点、线、形、光、色彩要素构成。“点”是最小的视觉实体，有探讨视觉形式的作用。一个可视的点是一个吸引视觉注意力的小元素，点可以被表现出来和暗示，可以构成一个情趣的中心，或一幅构图中被强调的部分，处在一个表面上的一个点，好似屋子里的声音一样，使空间有了生机与活力。点可以解释和代表一切。
“线”是描述点的运动轨迹，一个可视的行动轨迹，一条线表现出划线人的精神。
一幅画的笔触，穿过风景的一条蜿蜒的河流，被撕破的线的参差不齐的边缘，一个草叶的曲线，每一条线好似每一位画家充满个性、富有表现力的线条一样，是独具特色的。
线是人们认识和反映自然形态时最简明的表现形式，线有长短、粗细、曲直之分，有长度、宽度和方向上的不同，是连续不断的或间断的，粗的或细的，有规律的或无规律的，静止的或运动的，直线的或曲线的，线是诸多形式不同的结合体。
在一个平面上，线能界定各种形状，暗示体积或显示所绘物体质量的独立元素。
通过线条的组织来创造图案、肌理，描绘阴影。线是阐明视觉形式的基本手段，是对目睹、感受和想象到的事物的一种速写，线是在两维空间表面的长度标准，每一条线或物体边缘都有它的表现特征，其表现形式在视觉交流中起着重要作用。在中国绘画艺术中，线条的功用表现尤为突出，中国绘画在一定程度上，是以富有骨气韵味的线条取胜的，线条的运用，在长期的演化过程中愈来愈富有含蓄性、表现性、象征性和抽象性。
“形”是一种被视为平面存在的形式，一种二维的空间区域，平面是一种剪影或阴影形式的外观。当一条线勾画出一个区域，或当一个面积表面颜色和肌质发生变化时，其面积与周围的面积相分离，形便成了可视的存在。形分有机形和几何形，二者间有明显的界限。自然界的大部分形是有机形，是柔和、轻松、曲线性和无规律的。在人的世界中，最普通的形是有机形、生硬、刻板和有规律的。形表示了人眼感觉到的客观事物的外部形态，又称视觉形。光与色彩也是绘画艺术最主要的造型因素。点、线、形、光、色作为绘画艺术的构成要素是相辅相成的。
